Il mondo alla rovescia (Miracolo a Le Havre )

recensione del film:
MIRACOLO A LE HAVRE

Titolo originale:
Le Havre

Regia:
Aki Kaurismäki

Principali interpreti:
Con André Wilms, Kati Outinen, Jean-Pierre Darroussin, Blondin Miguel, Elina Salo, Evelyne Didi, Quoc-Dung Nguyen, François Monnié, Roberto Piazza, Pierre Étaix, Jean-Pierre Léaud -93 min. – Finlandia, Francia, Germania 2011

Due anni fa scrivevo la recensione di Welcome, film molto bello del regista Philip Lioret, che affrontava, come questo film, anche se in una prospettiva del tutto realistica e purtropppo tragica, il problema dell’accoglienza malvagia ed egoistica degli europei (siamo a Calais) nei confronti degli stranieri che arrivano da noi, fuggendo dalle guerre, dalla fame e anche dalle tirannie.
In questo lavoro, non solo l’argomento è lo stesso, ma è anche identico lo scenario della vicenda: il canale della Manica (siamo a Le Havre); così come molto simili sono le esigenze del ragazzino che vorrebbe raggiungere le sponde inglesi. In entrambi i casi, inoltre, un adulto di buon cuore si prende cura dei giovani protagonisti, organizzando le cose perché la traversata si concluda felicemente, mentre la popolazione locale è fortemente ostile a qualsiasi nuovo arrivo. Nel film del finlandese Aki Kaurismäki, però, la vicenda viene raccontata con maggiore ottimismo e con un piglio più decisamente favolistico, rovesciando completamente, perciò, l’impostazione drammatica di Lioret.
Questa è la ragione per la quale, assistendo alla proiezione di questa pellicola, si ha un vago senso di straniamento, poiché immediatamente si avverte il “deja vu”, mentre, contemporaneamente, tutto sembra snodarsi in un’atmosfera più serena e gioiosa nella quale il bene prevale finalmente sul male, il commissario di polizia ha un cuore anche lui, gli umili (sempre visti con diffidenza dalle persone “per bene”, perché sono brutti e sporchi) nutrono una istintiva solidarietà verso colui che soffre, per il quale organizzano una strategia che avrà successo. La corte dei miracoli, dei lustrascarpe, dei bottegai anziani e poveri, delle anziane bariste di locali mal frequentati, del vecchio cantante rock, abbigliato da cialtrone, incurante dei suoi capelli ormai bianchi, del vecchio cane fedele e spelacchiato, avrà la meglio sull’ottusità dei duri di cuore, che non vogliono vedere gli occhi buoni e tristi di quel un piccolo nero gabonese di nome Idrissa che vuole raggiungere la madre a Londra. Una storia da libro Cuore, quasi un rinnovarsi del racconto Dagli Appennini alle Ande: il miracolo che sembrava impossibile. Nonostante tutto ciò, il film si lascia seguire senza noia e commuove davvero, perché è nelle corde del regista questa magia, che ci ricorda anche un po’, fin dal titolo italiano , il nostro Miracolo a Milano (credo che sia la prima volta che non mi irrita un titolo italiano!). In questa terra miracolosa, altri prodigi si compiranno, lasciando nello spettatore il piacere di questa poetica inverosimiglianza, di un mondo alla rovescia che è dolce come una strenna natalizia, certamente gradevole in questo periodo festivo, in cui tutti ci illudiamo di essere più buoni. Eccellenti attori per un regista a sua volta eccellente.

Annunci

il potere (Le idi di marzo)

recensione del film:
LE IDI DI MARZO

Titolo originale:
The Ides of March

Regia:
George Clooney

Principali interpreti:
Ryan Gosling, George Clooney, Philip Seymour Hoffman, Paul Giamatti, Marisa Tomei, Evan Rachel Wood, Max Minghella, Jeffrey Wright – 101 minuti – USA, 2011.

Il bel titolo classico di questo film ci riporta alla memoria la storia del nostro passato: la fine di Giulio Cesare ad opera dei congiurati che lo stavano attendendo all’ingresso del Senato, dove, appunto, lo avrebbero pugnalato. Fra i congiurati, Bruto, figlio adottivo di Cesare, diventato da allora, per molti, la personificazione stessa del traditore. D’altra parte, in altri momenti storici, la figura di Bruto ha goduto di fama migliore: il tirannicida, l’eroe della libertà, colui che invano, ma generosamente, cercò di difendere le libertà repubblicane. La riesumazione di questi fatti, evidente dal titolo di questo bel film, ci trasporta, però in un luogo lontanissimo nello spazio, visto che siamo nell’Ohio, e nel tempo: ci troviamo, infatti, al tempo delle elezioni primarie del candidato democratico, Mike Morris, per la candidatura alla Presidenza degli Stati Uniti. Morris, interpretato da George Clooney, che è anche regista del film, è un candidato saldamente ancorato ai valori della Costituzione americana, sanamente laico, in modo da garantire ai credenti di ciascuna fede il pieno godimento dei rispettivi diritti e anche progressista, soprattutto in tema di conquiste civili; contrario alla pena di morte, favorevole all’allargamento delle libertà per i gay e via dicendo, secondo i canoni di un’avanzata correttezza politica. Non tutto il Partito democratico è con lui: lo sarebbe, ma teme che la rigidità delle sue posizioni comprometta la vittoria, soprattutto nell’Ohio, stato che si è fatto la fama di essere quello il cui elettorato, attraverso le primarie, prefigura l’esito delle presidenziali con una certezza quasi matematica. Il suo staff, a sua volta è spaccato: il nodo cruciale delle primarie può essere affrontato in due modi: cedendo a qualche compromesso sui principi, candidando per esempio l’uomo forte dell’altro schieramento del partito, cosa che Morris non vorrebbe assolutamente fare, oppure scommettendo sulla novità costituita proprio dal suo radicalismo senza compromessi, cosa che gli attirerebbe, secondo lui, la simpatia di strati di popolazione che non si era mai lasciata coinvolgere dalla passione politica, giovani soprattutto. In ogni caso, proprio la difficoltà del momento, insieme alla presenza di un sistema di informazione fondato sul sensazionalismo e pronto a diventare una vera macchina del fango, consiglierebbe la massima prudenza del dire e del fare, da parte di tutti, candidato e staff. Così non sarà. L’andamento da thriller del film non mi consente di aggiungere altro. Qualcuno tradirà (le Idi di marzo, appunto) per ambizione personale o per disillusione profonda, nei confronti di un mondo in cui la spinta ideale pare soffocata dalla sete di potere, a cui pare che nessuno sfugga. Il film si interroga sui rapporti fra politica, che è prassi, fondamentalmente, e perciò costretta a confrontarsi con una realtà spesso sorda agli ideali, ed etica, che è teoria e che in quanto tale rischia di rimanere travolta da esigenze più prosaiche, ma certo a loro volta profonde. Il film è condotto in modo, a mio avviso, ineccepibile: asciutto e senza retorica il racconto; acuta l’indagine dei comportamenti dei diversi protagonisti, ognuno dei quali è portatore di una parte di verità. Nessuno è buono, ma nessuno è cattivo: forse qualcuno è meno peggio di altri, ma tutti sono uomini e donne assolutamente imperfetti. Splendida interpretazione di Clooney, di Philip Seymour Hoffman e Paul Giamatti (il che è ovvio); altrettanto eccellenti gli attori meno noti (Ryan Gosling, tra tutti: sbalorditivo!, così come le due donne, la stagista e la giornalista, attrici perfette per le due parti tanto ambigue quanto difficili). Forse, ma questa è una mia riflessione a margine, la sete di potere e la smisurata ambizione potrebbero essere maggiormente contenute da un sistema politico in cui meno sia presente la personalizzazione dello scontro.

terapia di coppia (Emotivi anonimi)

recensione del film:
EMOTIVI ANONIMI

Titolo originale :
Les emotifs anonymes

Regia:
Jean-Pierre Améris

Principali interpreti:
Benoît Poelvoorde, Isabelle Carré, Lorella Cravotta, Lise Lamétrie, Swann Arlaud.
Francia, Belgio, 2010 – 80 minuti

Le terapie di gruppo delle associazioni anonime in cui molte persone condividono con altre i propri problemi e le proprie angosce sono davvero efficaci?
Angelique, la timidissima protagonista di questo film, è solita frequentare un gruppo di “emotivi anonimi”, proprio ora che sta vivendo un momento di profondo disagio: era un’ottima cioccolataia, e aveva fornito, grazie alla sua arte sopraffina e alla sua inventiva, pralineria di eccelsa qualità alla più raffinata pasticceria della città, ma lo aveva fatto…sotto mentite spoglie: fingendosi un eremita che aveva trasformato il proprio romitorio in un laboratorio artigianale di cioccolato. In tal modo aveva realizzato se stessa senza comparire, conciliando, quindi, la passione per il cioccolato e la professionalità con la sua inguaribile timidezza. Gli squisiti e inimitabili cremini, ora, morto il suo datore di lavoro, potrebbero rilanciare la cioccolateria alla quale si presenta per ottenere una adeguata occupazione, ma il nuovo padrone la assume come rivenditrice dei suoi prodotti aziendali, mediocri e poco richiesti dal mercato. Angelique, che è appassionata creatrice di piccoli capolavori al cioccolato, capace di accostare i gusti con audace inventiva, per la sua goffa emotività rifugge dal mettersi in gioco rivelando le sue doti e accetta quanto le viene proposto. D’altra parte, anche il nuovo datore di lavoro, Jean-Réné, è timidissimo e goffo quanto lei, e forse più di lei, soprattutto con le persone dell’altro sesso. Il film è la storia di questo difficilissimo incontro fra emotivi, che si piacciono, si stimano, si amano, come è subito intuibile, ma fanno di tutto per complicare le cose involontariamente. La terapia di coppia si rivelerà forse vincente.
Filmettino sorridente e gracile, salvato dalla eccezionale interpretazione dei due timidoni (Benoît Poelvoorde, Isabelle Carré), adatto a chi apprezza, nel periodo delle feste natalizie, un cinema divertente senza eccessivi filosofemi. Va, tuttavia, lodato per la finezza dell’analisi psicologica e per l’assoluta mancanza di volgarità, il che, nel periodo degli italici cine – panettoni, non è un merito secondario.

“inattualità” dell’artista (The artist)

recensione del film:
THE ARTIST

Regia:
Michel Hazanavicius

Principali interpreti:
Jean Dujardin, Bérénice Bejo, John Goodman, James Cromwell, Penelope Ann Miller- 100 min. – Francia 2011.

Se un attore del cinema muto avesse desiderato dire qualcosa, lo si sarebbe dovuto considerare un matto e perciò sottoporre a un crudele elettrochoc. Nel 1927, anno che viene indicato come quello in cui il racconto ha inizio, viene in tal modo trattato il temerario attore che vorrebbe parlare: il cinema era ancora muto, ma comunicava benissimo; gli interpreti erano molto bravi e dotati di grande professionalità; essi conoscevano il modo per parlare col corpo, oltre che cogli occhi; si esprimevano con la gestualità, in cui erano diventati maestri, con la danza, con la mimica facciale ed erano così noti, per questo, da essere riconosciuti e ammirati anche quando camminavano per strada. Così era anche per gli animali che recitavano con loro: il cagnolino del famoso George Valentin, il protagonista di questo bellissimo film (un grandissimo Jean Dujardin), era talmente espressivo che davvero … gli mancava la parola, come a George; ma sarebbe davvero servita?
Nessuno aveva ancora considerato che la perfezione e la raffinatezza raggiunta dal cinema muto avrebbe dovuto fare presto i conti con due fattori imprevisti da molti degli addetti: il perfezionarsi della tecnologia e il mercato. L’introduzione del sonoro era, ormai, questione di poco tempo: già a partire dal 1929 si cominciò a costruire il film, cercando di accompagnarlo con la musica, e, dopo un po’ si sincronizzarono azioni e rumori; fra non molto si sarebbe trovato il modo di far parlare con la loro voce anche gli attori. George Valentin non crede che la cosa possa riguardare in alcun modo professionisti della sua esperienza e della sua popolarità: egli pensa che nel mercato del cinema ci sia posto per tutti: per chi vuole affrontare le novità senza badare troppo alla qualità della recitazione (così farà Peppy Miller, la giovane e briosa aspirante attrice che George lancerà e che successivamente occuperà un grande posto nel suo cuore), così come per chi preferisce continuare a rivolgersi a quel pubblico raffinato ed esigente che apprezza l’arte straordinaria degli attori che si esprimono con colta ricercatezza. Le cose non andarono così: anche gli ammiratori più fedeli erano curiosi estimatori della tecnologia, cosicché presto gli spettacoli sonori spiazzarono quelli muti, facendo finire nel dimenticatoio anche i grandi interpreti che non volevano adattarsi, come il grande George Valentin, cui la crisi del ’29 darà il colpo di grazia. Tutta questa vicenda è raccontata con intelligenza e cultura dal regista parigino Michel Hazanavicius, che insieme ai due splendidi protagonisti, Jean Dujardin e Bérénice Bejo, dà vita non a un film sul cinema muto, ma a un film muto e per di più in bianco e nero, quanto di più inattuale si possa immaginare in un’epoca così tecnologica come la nostra, in cui molti sembrano apprezzare soprattutto gli effetti speciali, il 3D, quasi fosse, ancora una volta, “la meraviglia” il fine della creazione artistica. Quest’opera è quasi una meditazione sul cinema, e più in generale sull’arte, che è nemica della moda, per sua natura effimera, ma è invece passione e lavoro, creazione che per durare nel tempo è sempre “inattuale”, in quanto destinata a scontrarsi con i luoghi comuni in ogni tempo e in ogni epoca. Film di grandissimo impatto emotivo, che, per quanto muto, parla a tutti noi come pochi altri, molto consigliabile a coloro che amano il cinema vero, i bravi attori e i registi intelligenti e sensibili.

“non solo lavoratori, ma persone” (Almanya)

recensione del film:
ALMANIA – LA MIA FAMIGLIA VA IN GERMANIA

Titolo originale:
Almanya – Willkommen in Deutschland

Regia:
Yasemin Samdereli

Principali interpreti:
Vedat Erincin, Fahri Ogün Yardim, Lilay Huser, Demet Gül, Denis Moschitto.
– 101 min. – Germania 2011.

Questo è un film grazioso, accolto calorosamente all’ultimo festival di Berlino. Vi si affronta il tema caldissimo dell’emigrazione, con serietà, e insieme con garbo e leggerezza, raccontando in modo parzialmente autobiografico (la regista è immigrata turca di terza generazione), la storia di Hüseyin Yilmaz, che decide di spostarsi dalla Turchia alla Germania, per trovare lavoro: lì, una volta sistemato, si ricongiungerà ai suoi cari: la giovane moglie e i suoi figli ancora piccoli. Il viaggio, la nostalgia, il ritorno, dopo qualche anno di lontananza, al paese d’origine, la decisione di trasferire in Germania tutta la famiglia, per tenerla unita (al suo ritorno il figlio ultimo nato non è più in grado di riconoscerlo!); la riluttanza dei bambini a lasciare amici e abitudini; l’alloggio tedesco in un casermone periferico, la pioggia, il grigiore del paesaggio nordico: tutto quanto, insomma, sia capace di evocare il distacco doloroso dai luoghi cari della propria terra, viene narrato con commozione amara, cui si mescola però, con armonico equilibrio, l’aneddoto buffo, il pregiudizio un po’ ridicolo, in modo che il film non assuma mai, neppure nei momenti in cui la commozione sembrerebbe prevalere, toni troppo drammatici. L’equilibrio del racconto stempera quindi i momenti più difficili, presenti in ogni doloroso viaggio di questo tipo, in un tono medio che ne rende gradevole la visione, anche se lascia il dubbio, alla fine, di un’eccessiva edulcorazione. Hüseyin Yilmaz non riuscirà a pronunciare il discorso, riservato al lavoratore numero un milione e uno che se ne è arrivato in Germania da un paese molto più povero, ma il nipotino, Cenk, quello che a scuola aveva fatto a botte per difendere la sua appartenenza alla terra del nonno, parlerà al posto suo, nella scena finale, di fronte a una divertita platea di importanti personaggi, fra cui nientemeno che Angela Merkel.
L’integrazione avvenuta, la cittadinanza sospirata, per la grande famiglia di Hüseyin, ormai alla terza generazione in Germania, significa infatti, anche riconoscimento delle proprie origini e rispetto del proprio passato. Film da vedere e da meditare, perché troppo violento in Italia è ancora il rifiuto di accogliere con civiltà e umanità gli immigrati, che non sono solo braccia da lavoro, ma uomini in carne e ossa, come il film vuole ricordarci esplicitamente.

un americano a Parigi (Midnight in Paris)

recensione del film
MIDNIGHT IN PARIS

Regia:
Woody Allen

Principali interpreti:
Owen Wilson, Rachel McAdams, Michael Sheen, Nina Arianda, Kurt Fuller, Tom Hiddleston, Corey Stoll, Mimi Kennedy, Adrien Brody, Alison Pill, Marion Cotillard, Léa Seydoux, Kathy Bates, Carla Bruni, Gad Elmaleh, Manu Payet – 94 min. – USA, Spagna 2011.

Gil è uno sceneggiatore hollywoodiano, che, scontento del suo lavoro, nonostante gli permetta di guadagnare bene, vorrebbe dedicarsi a tempo pieno all’arte dello scrivere. Per la verità, ha già scritto un romanzo, di cui è gelosissimo custode, ma non è sicuro del risultato ottenuto, né gli pare che le persone che si trovano con lui, a Parigi, in viaggio di piacere, siano le più adatte a capirlo e a darne un giudizio. Sono con lui, infatti, la graziosa fidanzata, da cui Gil è fortemente attratto, insieme ai genitori di lei, repubblicani per convinzione e tradizione. In modo particolare, il futuro suocero di Gil è un fior di reazionario, accanito difensore dei “Tea party”, nonché ottuso avversario di tutto quanto esuli dalla materialità della borsa e degli affari. Ciascuno di questi personaggi da una città come Parigi attende sorprese, emozioni, opportunità, occasioni. E’ d’altra parte tipico delle grandi città offrire ai visitatori un ampio ventaglio di possibilità, dal turismo usa e getta, alle più approfondite meditazioni, allo shopping, agli affari. Questo è ciò che avviene anche per i nostri americani, cosicché Gil, diversamente da tutti gli altri, si abbandona alle suggestioni culturali che a Parigi sono particolarmente evocative e in tal modo compie un viaggio diverso da quello dei suoi compagni. Il suo personale viaggio avviene ogni sera, allo scoccare della mezzanotte, ed è un percorso a ritroso nel tempo, lungo gli anni ’20 del Novecento a bordo di una vettura d’epoca, nella quale viene accolto con cordialità da alcuni degli intellettuali che egli ha conosciuto e amato attraverso le loro opere. Questi lo conducono in giro per la città nei locali, nei salotti, laddove, cioè, cultura, discussioni sull’arte, musica, costituiscono un laboratorio di innovazioni quanto mai stimolante: lì potrà avvicinare i grandi di quel passato, dai coniugi Fitzgerald a Hemingway, da Cole Porter a Gerdtrude Stein da Picasso a Dali e a Bunuel. Un viaggio vero, però, senza effetti di flash-back, perché la smaliziata tecnica del regista è in grado di inserire con estrema naturalezza queste divertenti parentesi notturne del nostro eroe, imbranato, ma amabilmente naïf. I suoi incontri gli permetteranno di impostare con maggior sicurezza il suo romanzo, e di fare scelte precise per la sua vita.
Il film, però contiene numerosi altri spunti di riflessione, principalmente sul senso di un rapporto col passato, in cerca di una perfezione che molto somiglia a una fuga dalla realtà, di cui però non tutto è da buttare (memorabile la battuta di Gil sugli antibiotici!).
Tutta la narrazione ha come sfondo la grande bellezza dei luoghi più noti di Parigi e dei suoi dintorni (Versailles con la sua reggia e con la divertente apparizione di Luigi XIV nella Sala degli Specchi o Giverny col ponticello e le ninfee di Monet): è un racconto pieno di grazia, che si segue senza noia: un po’ poco per Woody Allen.
Il fatto è che Parigi è da cartolina, certamente bella, ben fotografata, ma troppo vista per commuovere davvero, mentre dal passato degli anni venti arrivano nel film compendiosi estratti, le formulette che Gil vuole riascoltare (la debauche della signora Fitzgerald, il suo tentato suicidio, la sofferenza di lui, il vocione rude e macho di Hemingway, i tori di Picasso, le stravaganze di Dalì e via elencando), ma non si coglie un vero rapporto dialogico fra lui e quel tempo. In altre parole Gil, anche se, “venuta la sera, si spoglia di quella veste cotidiana, piena di fango et di loto, et rivestito condecentemente entra nelle antique corti degli antiqui huomini…da loro ricevuto amorevolmente”, non riesce a cogliere se non molto superficialmente il senso di quel lavoro culturale: e cerca solo quelle risposte che già sono nella sua mente nella forma un po’ banale della citazione.

Avrete tutti capito che anch’io ho appena citato Machiavelli e la sua lettera (10 dicembre 1513), famosissima, a Francesco Vettori!

i vecchi e i giovani (Le nevi del Kilimangiaro)

recensione del film:
LE NEVI DEL KILIMANGIARO

Titolo originale:
Les neiges du Kilimandjaro

Regia:
Robert Guédiguian

Principali interpreti:
Ariane Ascaride, Jean-Pierre Darroussin, Gérard Meylan, Maryline Canto, Grégoire Leprince-Ringuet – 107 min. – Francia 2011.

Anche Michel, anziano sindacalista marsigliese della CGT, perderà il posto di lavoro assieme ad altri 19, che, sfortunati come lui, vengono estratti a sorte. Per non far torto a nessuno, il sindacato ha deciso, infatti, di affidare alla dea bendata il destino dei 20 “esuberi”, facendo, in realtà, torto a tutti, perchè con altri criteri (tenendo, ad esempio conto delle situazioni socialmente più insostenibili), forse si sarebbero potute evitare gravi ingiustizie. Questa, almeno, è la convinzione espressa con parole durissime da Christophe, il giovane operaio che, da vittima del licenziamento, diventa il carnefice del suo compagno. La violenza con la quale Christophe mette in atto, con un complice, la rapina ai danni di Michel, coinvolgendone anche la moglie e un’altra coppia, in cui il marito è sindacalista a sua volta, testimonia non solo lo stato di necessità del giovane, senza lavoro, ma con molti problemi, ma anche la rabbia incontenibile per un modo di agire del sindacato accusato di disattenzione ai problemi veri, per troppa autoreferenzialità, come se chi ha tanto lottato per il miglioramento delle condizioni dei lavoratori, ora si accontentasse di qualche piccolo privilegio ottenuto dai più anziani, senza vedere i gravissimi problemi di molti giovani, alle prese con una famiglia sfarinata e con una società sempre più egoista. Va in scena, dunque, in questo film interessantissimo, lo scontro generazionale. Le accuse a Michel, infatti, non sono solo quelle del giovane delinquente: anche i suoi figli, in qualche modo, per ragioni diverse, mettono in discussione le lotte di un tempo: tante ore sottratte alla famiglia, tanti sacrifici imposti a tutti, per quale risultato? Michel e sua moglie, che sono due anziani coniugi, ancora innamorati e complici, dopo trent’anni di matrimonio, in realtà sono spontaneamente solidali verso chi ha bisogno: perciò ora cercano di rimediare, con la loro generosità, ai danni che la loro denuncia contro il giovane rapinatore, presto individuato, potrebbe produrre non tanto a lui, quanto ai suoi due fratellini, abbandonati a se stessi. Comincerà Marie Claire, la moglie di Michel a insaputa del marito, che non tarderà a capire e ad approvare, così come faranno i coniugi dell’altra coppia vittima della rapina.
Il film si ispira liberamente al poema di Victor Hugo: “Les pauvres gens”, e direi che un po’si sente, soprattutto per lo spirito umanitario e amorevole da socialismo ottocentesco, che aleggia nel racconto, anche se Michel non fa altro che parlare di Jean Jaurès e anche se il tema trattato è quanto mai attuale. Meravigliosi interpreti di questa raccomandabilissima opera del regista franco-armeno Robert Guédiguian sono Ariane Ascaride, nella parte di Marie Claire, la moglie sensibile di Michel, l’eccellente Jean-Pierre Darroussin. Il regista non è molto noto, ma forse qualcuno ricorderà La Ville est tranquille se non altro perché ne fu messo in vendita il DVD pochi anni fa, insieme ad un quotidiano.

gli inconcludenti (Il fascino discreto della borghesia)

Continua a leggere

l’anima per una notte d’amore (Faust)

recensione del film
FAUST

Regia:
Aleksandr Sokurov

Principali interpreti:
Johannes Zeiler, Anton Adasinsky, Isolda Dychauk, Georg Friedrich, Hanna Schygulla, Antje Lewald, Florian Brückner, Maxim Mehmet, Katrin Filzen, David Jonsson, Joel Kirby, Eva-Maria Kurz, Antoine Monot Jr., Ondrej Novák, Stefan Weber – 134 min. – Russia 2010

Il Leone d’oro di quest’anno, al Festival d’arte cinematografica di Venezia è andato a Faust, film che costituisce l’ultima parte di una tetralogia sul potere, del regista russo Aleksandr Sokurov. Attingendo alla ricca tradizione letteraria che rappresenta lo scienziato spinto a un patto col demonio per amore della conoscenza assoluta, il regista ci racconta dello scienziato Faust che, disperando della possibilità di una conoscenza in grado di trascendere la realtà materiale fatta di fame, sporcizia, fetori e sterco, nella quale tutta l’umanità è immersa senza scampo, stringe col diavolo un patto di sangue in cambio di una notte d’amore con la bella Margherita, unica creatura del film che evochi la luce abbagliante e accecante, unica conoscenza possibile di ciò che permette agli uomini di uscire da se stessi.
Il film esordisce con la rappresentazione di Faust, medico tedesco, che in una lurida stanza male illuminata procede all’autopsia del corpo di un uomo, immergendo le proprie mani nude nel ventre squarciato, da cui estrae i visceri con l’ansia frustrata di chi vorrebbe trovare altro dalle budella e dalle sacche escrementizie: l’anima. Purtroppo, alla repellente realtà della fetida materia di cui si compone il corpo sezionato, corrisponde l’altrettanto repellente realtà del vivere quotidiano, in un settecentesco villaggio tedesco, popolato da gente ignorante e superstiziosa, quando non da truffatori, ladruncoli e violenti ubriaconi. Non esiste difesa alcuna capace di porre riparo al degrado al quale l’umanità sembra destinata a soccombere, poiché il male è sempre in grado di prevalere sul bene, la violenza sulla bontà, il calcolo utilitaristico sulla solidarietà. Non resta che firmare col sangue un patto di compromesso con il male stesso, nel film rappresentato da un decrepito diavolo, cinico e avido di denaro, senza sesso, ma con un ridicolo codino fra le natiche e con due ali tarpate e perciò ormai incapaci di permettere al corpo di sollevarsi in volo. La notte d’amore, dunque, unica e sola opererà il provvisorio miracolo di fermare il tempo prima che i suoi effetti devastanti trasformino il bel ventre dorato e nudo della giovinetta in quel repellente e maleodorante ammasso di visceri infetti che l’inizio del film aveva rappresentato. Il risveglio, tuttavia, indicherà a Faust che nessuna salvezza é possibile: calarsi agli inferi per un momento di estasi non permetterà di riemergere a riveder le stelle: senza la corazza protettiva di Mefistofele, egli affronterà impotente l’ira di Dio, metaforicamente rappresentata in una serie di immagini di grande suggestione e potenza espressiva.
Tutto il film ci mostra, comunque, una ininterrotta galleria di immagini potentissime, caratterizzate dal livido colore verdastro, colore della morte e del degrado, che lasciano nella mente un incancellabile ricordo, nonché il rovello di ripensare e riflettere sulle cose viste, il che ci dice molto sulla forza della regia: Sokurov, infatti, sa raccontare col suo linguaggio originale il senso dell’avventura faustiana, inducendo lo spettatore a seguire con interesse una vicenda non solo già nota, ma anche apparentemente lontana dal mondo di oggi. La cultura figurativa del regista si manifesta nei richiami continui all’arte nordica, da Hyeronimus Bosch a Rembrandt, reinterpretati in modo molto personale, mentre, mi è parso di scorgere nella rappresentazione del villaggio e della sua umanità plebea e fondamentalmente “bruta” un richiamo, sia pure con significato diametralmente opposto, al Pasolini dei Racconti di Canterbury o del Decameron.
Detto questo, ritengo sia difficile amare questo film, in cui la visione stercoraria e terrificante dell’uomo non lascia spazio ad alcun progetto positivo per cambiare, quando possibile, il corso degli eventi. Sebbene senza illudermi troppo, e sebbene cosciente della difficoltà, io ancora credo che i nostri destini, almeno per quanto dipende da noi, siano nelle nostre mani (in altre parole: credo nell’ottimismo della volontà, contro il pessimismo dell’intelligenza!).

Aggiungo a questa recensione, che (probabilmente per deformazione professionale o per la tabe letteraria inguaribile dalla quale da sempre sono affetta) quando veniva pronunciata la frase “solo una notte” mi veniva spontaneo il ricordo della famosa sestina petrarchesca: A qualunque animale alberga in terra (Canzoniere XXII), laddove, ai versi 31 – 33, Petrarca scrive:

“Con lei foss’io da che si parte il sole,
e non ci vedess’altri che le stelle,
sol una notte, e mai non fosse l’alba,
….

Questi versi avevano, credo, una funzione difensiva poiché stemperavano in malinconica contemplazione il tracimare pessimistico e cupo del film che stavo vedendo. Chiedo scusa a chi mi legge per avere affidato a queste righe la mia piccola confessione che è (forse, ma non ne sono sicura) fuori tema!