Weekend

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recensione del film

WEEKEND

Regia:
Andrew Haigh

Principali interpreti:
Tom Cullen, Chris New, Laura Freeman, Vauxhall Jermaine, Jonathan Race – durata 96 min. – Gran Bretagna 2011.

Opera prima di Andrew Haigh, questo film uscì nelle sale europee fra il 2011 e il 2012. Finalmente è arrivato anche da noi, che non l’avremmo probabilmente mai visto senza il successo del più recente 45 Anni, diretto dallo stesso regista, che evidentemente ha acceso la curiosità anche verso questa sua prima fatica, così da spingere un coraggioso distributore ad acquistarlo per offrirlo alla visione del pubblico italiano. La versione originale in lingua inglese è l’unica presente da noi, perciò è bene che chi vuol vederlo sappia che il film non è stato doppiato, né lo sarà, della qual cosa, personalmente, mi compiaccio. A spiegare il ritardo della sua apparizione nei nostri cinema probabilmente è il soggetto, ritenuto  un po’troppo osé per noi, che sembriamo, agli occhi di chi fa queste scelte, eterni minorenni bisognosi di protezione. Credo che sappiamo proteggerci da soli!

Ambientato a Nottingham (Regno Unito), questo film ci racconta la storia d’amore di due ragazzi, dal suo nascere al suo concludersi dolce e disperato nel breve tempo di un weekend. Si chiamano Russell (Tom Cullen) e Glen (Chris New) i due giovani che si incontrano per caso la notte del venerdì, in un locale gay: una serata in cui per vincere la noia si fuma, si beve e ci si droga. Passeranno la notte a casa di Russell, il più introverso di loro due, quello che vive la propria omosessualità con maggiore tormento: un lavoro da bagnino nella grande piscina della città, molta solitudine, qualche amico d’infanzia che si è fatto la propria famiglia, ma che continua a vedere. Nessun coming-out, però: forse tutti sanno, forse suppongono, forse fingono o forse semplicemente si fanno gli affari loro.
Glen è diverso: ha accettato senza problemi la propria identità sessuale, non l’ha mai celata, anzi l’ha esibita orgogliosamente. E’un artista che vuole affermarsi; registra a questo scopo gli incontri con i suoi partner occasionali con l’intento di mettere insieme tutto il materiale raccolto, in vista di un progetto artistico, una sorta di mosaico che dovrebbe forse diventare una grande confessione collettiva. Anche Russell ha un diario dei propri incontri, ma non intende esibirlo: è per sé, non per altri. Eppure, da questo incontro, simile, per ciascuno di loro, a tanti altri di ordinario squallore, fatto di sesso droga e solitudine, nasce a poco a poco l’amore, che si fonda, come ogni amore, sulla passione dei sensi, ma che sviluppa in loro una nuova e vera confidenza, quella dei gesti quotidiani condivisi, delle piccole attenzioni per l’altro, della tenerezza profonda: inusitata scoperta per tutti e due. Durerà poco: Glen deve partire per gli Stati Uniti, dove conta di realizzare il proprio futuro di artista; ha già il biglietto aereo in tasca, perciò il distacco diventa inevitabile. L’esperienza dell’amore, tuttavia, ha dato una nuova consapevolezza a entrambi: li ha fatti crescere, li ha trasformati profondamente, poiché può capitare, talvolta, che due soli giorni valgano un’intera vita.

Il regista conduce questa sua opera prima con acuta sensibilità e delicatezza psicologica, la stessa che avrebbe dimostrato anche nel suo successivo 45 anni, realizzando un film molto bello, che si può inserire nella scia di indimenticabili pellicole quali My Beautiful Laundrette (1985) La moglie del soldato (1992) e I segreti di Brokeback Mountain, il bellissimo film di Ang Lee del 2005, che come questo racconta una drammatica storia d’amore fra maschi.
Da vedere, e, soprattutto, da meditare, in un paese come il nostro, in cui arriva con cinque anni di ritardo e in cui la Commissione Nazionale Valutazione Film della CEI così si è espressa: “Sconsigliato, non utilizzabile, scabroso”. Eppure è solo una storia d’amore!

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Carol

 

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recensione del film:
CAROL

Regia:
Todd Haynes

Principali interpreti:
Cate Blanchett, Rooney Mara, Kyle Chandler, Jake Lacy, Sarah Paulson – 118 min. – Gran Bretagna, USA 2015.

Agli inizi degli anni ’50, gli effetti della guerra fredda si facevano sentire ovunque negli Stati Uniti, dove una pesante cappa di intolleranza sospettosa sembrava soffocare l’America della libertà e dei diritti individuali. La “caccia alle streghe”maccartista avrebbe messo in forse, di lì a poco, i principi stessi della democrazia in quel paese, ma già nei primi anni del decennio tra il 1950 e il 1960 i cittadini che non si adeguavano ai modelli di comportamento ritenuti socialmente accettabili erano considerati ribelli da tenere d’occhio, permeabili alle suggestioni del comunismo, se non addirittura colpevoli di una qualche collusione col nemico.

Usciva in quel clima, nel 1952, il romanzo The Price of Salt, nel quale la scrittrice Patricia Highsmith (già nota ai lettori americani), celandosi prudentemente dietro lo pseudonimo di Claire Morgan, aveva raccontato una storia d’amore fra due donne, dalla quale il regista Todd Haynes ha ricavato questo film, presentandolo all’ultimo festival cinematografico di Cannes e sfiorando la Palma d’oro*.

Ambientandola nel 1951, Haynes racconta, con grande finezza analitica, la complessa vicenda dell’amore fra Carol, ricca e bella donna dell’alta borghesia, e Therese, giovanissima aspirante fotografa, che, per il momento,  in attesa di tempi migliori, si accontentava di vivere in un modesto appartamento newyorkese, sbarcando il lunario con lavoretti occasionali. In prossimità del Natale aveva trovato un lavoro precario da venditrice di giocattoli in un grande magazzino: lì era avvenuto l’incontro casuale con Carol, in cerca di un regalo per la sua bambina. La simpatia fra le due era stata immediata, ma non esclusivamente erotica: Carol  era intenerita dalla freschezza ingenua di Therese, a sua volta incantata dal fascino signorile della bella donna elegante, inarrivabile modello, ai suoi occhi, di raffinatezza e di lusso, indizi di una provenienza sociale preclusa a una giovinetta nelle sue condizioni. Entrambe, in verità, erano molto più infelici di quanto apparisse: Carol aveva sposato un uomo che sembrava amarla tanto da accettarne i tradimenti, alla condizione che non insidiassero l’unità familiare di facciata; Therese si era promessa a un giovane che sognava di relegarla nel ruolo dell’angelo del focolare, ignorandone sogni e aspirazioni professionali. L’amore tra loro, dunque, oltre a rispondere al profondo bisogno reciproco di accettare, riconoscendola, la propria diversità sessuale, contiene anche altri elementi: la tenerezza dolce, quasi materna di Carol, e la fascinazione quasi incredula di Therese, ammessa finalmente nei “piani alti”:  le si aprono le suites più prestigiose degli alberghi, i ristoranti più esclusivi, cioè gli ambienti fino a quel momento irraggiungibili, ma mai esclusi dai propri orizzonti.
La loro storia d’amore è però fortemente minacciata: la richiesta di divorzio, presentata dal marito di Carol per colpa grave e acclarata immoralità, le avrebbe sicuramente tolto la figlioletta adorata, ciò che l’aveva indotta a rompere un legame rischioso per sé, ma doloroso per entrambe, nella convinzione che Therese, giovane e dunque in grado di reagire, avrebbe presto ricuperato, insieme alla propria libertà, la possibilità di orientare diversamente il proprio futuro sentimentale. Siamo alle prime scene del film: tutto ciò che segue procede dal flusso dei ricordi di Therese, che ripercorre a ritroso la propria storia d’amore secondo un procedere emotivo ed evocativo dei momenti lieti e di quelli più dolorosi, nei quali la realtà crudele del pregiudizio sociale e del maschilismo più ottuso aveva avuto la meglio sul diritto alla felicità.

Il racconto è condotto con estrema e raffinata eleganza dall’ottimo regista, che ricostruisce con scrupolo attento, anche nei particolari più minuti, gli ambienti sociali e le atmosfere degli anni ’50, che vengono restituiti anche attraverso la bellissima fotografia leggermente seppiata, come appena ingiallita dal tempo. Allo stesso modo, le scene d’amore, quasi caste, sono rappresentate secondo la sensibilità diffusa all’epoca, assai poco incline ad accettare l’esibizione senza pudori della sessualità. Il film si mantiene dunque all’interno di un tempo soggettivo, scandito dalla memoria e dalle associazioni, sottolineato da una malinconica ed elegiaca tristezza, in cui lacrime e pioggia, memorie e rimpianti si confondono e si alternano non diacronicamente. Questa parte del film ampia e lenta (giustamente) mi ha pienamente convinta. Meno convincente, almeno secondo me, il finale, che inserisce nell’equilibrio narrativo quasi perfetto fino a quel momento un che di dolciastro, che mi è sembrato stonato e del tutto “fuori registro”.  In ogni caso, film da vedere, apprezzabile e alquanto insolito. Ottima e molto intelligente l’interpretazione delle due protagoniste: Kate Blanchett nella parte di Carol e Rooney Mara in quella di Therese, acconciata e truccata alla Audrey Hepburn, la grandissima interprete, insieme a ShirleyMacLaine, di uno dei primi film (1961) che con molta cautela aveva trattato il tema dell’omosessualità femminile: il drammatico Quelle due diretto da William Wyler.

*Il romanzo ora, anche nella traduzione italiana, ha ritrovato il nome vero dell’autrice, nonché ovviamente il giusto titolo: Carol.

Tom à la ferme

Schermata 2015-08-05 alle 15.41.14recensione del film:
TOM A LA FERME

Regia:
Xavier Dolan

Principali interpreti:
Xavier Dolan, Pierre-Yves Cardinal, Lise Roy, Évelyne Brochu, Manuel Tadros 105 minuti – Canada, Francia 2013.

In questo agosto, privo per lo più di buoni film nelle sale, vorrei dedicare alcuni post ai film del regista canadese Xavier Dolan, l’enfant prodige del cinema internazionale, che in Italia abbiamo finalmente potuto conoscere grazie alla proiezione di Mommy, ma che il pubblico degli spettatori  europei e americani conosceva da qualche anno, poiché Mommy era ormai il suo quinto film.
Tom à la ferme fu presentato al festival di Venezia nel 2013, dove ebbe accoglienze calorosissime da parte del pubblico e della critica, così come era accaduto un anno prima a Cannes con l’eccezionale Laurence Anyways. Io credo che la qualità del cinema di questo giovanissimo regista (nasce nel marzo 1989) meriti di essere conosciuta anche in Italia, dove è impossibile trovare i DVD dei suoi film, che pure sono ormai in libera vendita, raggruppati in un cofanetto, appena fuori dai nostri confini occidentali (ma senza sottotitoli: posso garantire che la comprensione del franco-canadese non è sempre facile!). Qualche distributore coraggioso, forse, potrebbe pensarci…

Tom (Xavier Dolan) arriva alla fattoria (ferme) in auto, attraversando le sterminate e semi-deserte campagne canadesi. Di lui si sa davvero poco, se non che è un ragazzo che viene da Montreal; apprendiamo quasi subito, però, che nella capitale egli aveva condiviso la propria esistenza con un collega di lavoro, Guillaume, che era stato anche il grande amore della sua vita. La fattoria alla quale è diretto all’inizio del film è quella della famiglia di Guillaume, la madre e anche un fratello, del quale Tom ignorava l’esistenza. Ora Guillaume è morto; anche di questo fatto si sa davvero poco, se non che Tom lo piange amaramente: ha preparato frettolosamente la scaletta di un discorso per ricordarlo in chiesa, il giorno dopo, alla cerimonia funebre per partecipare alla quale, appunto, egli è lì.
Giunto all’improvviso, Tom non trova chi lo accolga alla fattoria: la casa è vuota, né  si vede anima viva nei pressi o nelle grandi stalle che ricoverano gli animali. Più tardi, l’incontro con Agathe (la madre – Lise Roy) e soprattutto con Francis (il fratello – Pierre Yves Cardinal) non dissipano l’atmosfera cupa e inquietante di queste prime scene, che, abilmente costruite con un progressivo avvicinarsi della ripresa dall’alto sul protagonista, tratteggiano a grandi linee il suo percorso solitario dalla città alla campagna, che è anche la scoperta, a ritroso, del mondo del suo amante sfortunato.
Non si tratta di una scoperta felice: in quel mondo nessuno conosceva davvero Guillaume: Agathe ne ignorava l’omosessualità; il fratello la aborriva come una vergogna indicibile, da tenere ben nascosta, fra i segreti di famiglia, soprattutto ad Agathe, per non aggiungere il disonore al dolore per la perdita. Nessun discorso di Tom al funerale, dunque, per evitare l’emergere di qualsiasi sospetto, anche del più lontano, in merito: questo ordine di Francis, categorico e indiscutibile, è accompagnato da atti di violenza sadica e perversa, per ottenere non solo l’obbedienza di Tom, ma anche la sua umiliazione.
Da questo momento il film ci appare particolarmente spiazzante: le reazioni di Tom alla crudeltà di Francis diventano sempre più deboli: non solo egli ne accetta passivamente la malvagità, ma sembra che non voglia reagire, oscuramente attratto, come in una sorta di “sindrome di Stoccolma“, probabilmente per qualche senso di colpa o per un desiderio insano di espiazione, come talvolta accade quando il cuore straziato non si rassegna alla morte imprevista della persona amata.
L’atmosfera del film, ora, è quella di un noir sinistro, angoscioso e coinvolgente, che cattura fortemente la nostra attenzione, fino alla conclusione catartica, che corrisponde, sul piano simbolico, all’avvenuta elaborazione del lutto.

Tratto da una pièce teatrale di Michel Marc Bouchard, che l’ha sceneggiata per il cinema, insieme a Xavier Dolan, il film affianca alla vicenda, che è un thriller serrato ed emozionante, alcuni temi che le si legano assai strettamente: la contrapposizione città – campagna, principalmente, rovesciando, finalmente, però, il luogo comune, molto presente nella cultura occidentale, secondo il quale la vita della campagna, più vicina alla natura, sarebbe più adatta a chi apprezza l’autenticità e la verità. In realtà Francis, che in campagna  continuava a vivere e a lavorare, aveva fondato la propria esistenza sulla violenza, sulla sopraffazione e anche sull’ipocrisia: da questo era fuggito Guillaume e da questo, infine, si accingerà a fuggire anche Tom, a gambe levate, per rispetto di sé, della propria purezza ingenua e dell’amore che lo aveva legato a Guillaume, quell’amore che non aveva manifestato in chiesa, ma che avrebbe dichiarato a tutti, in una scena bella e dolorosa, fingendo di raccontare le confidenze di una donna. Un bel film potente e originale nella narrazione, accompagnata da una funzionale colonna sonora, realizzato grazie anche alla recitazione affiatata di tutti gli attori.