Gli amori di una bionda

recensione del film:
GLI AMORI DI UNA BIONDA

Titolo originale:
Lásky jedné plavovlávsky

Regia:
Milos Forman

Principali interpreti:
Jana Brejchová, Vlamidir Pucholt, 
Milada Jezkova, Josef Sebanek – 82 min. – Cecoslovacchia 1965.

Questo scritto è il mio piccolo e personale omaggio al grande regista scomparso nello stesso giorno della morte di Vittorio Taviani, il 13 aprile 2018.
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Milos Forman è molto noto a tutti per alcuni film, di produzione americana, fra i quali il magnifico Qualcuno volò sul nido del cuculo, e i cosiddetti “biografici” (il geniale Amadeus e il quasi altrettanto geniale, ma forse meno conosciuto, Man on the Moon). Di produzione anglo-americana è lo splendido Valmont, ispirato al romanzo libertino tardo-settecentesco Les Liaison Dangereuses (1782) di P. Choderlos de Laclos, mentre di produzione spagnola è L’ultimo Inquisitore, che divenne anche l’ultima opera da lui diretta (2006). Non tutti sanno, invece, che questo regista, nato in Cecoslovacchia nel 1932 e rimasto orfano molto presto (aveva perso nei campi di sterminio nazisti entrambi i genitori fra il 1943 e il 1944), era stato un cinefilo precocissimo che, dopo aver studiato alla facoltà di Cinematografia di Praga, si era segnalato sul piano internazionale per le innovazioni introdotte nei suoi due primi film: L’asso di picche (1963) e Gli amori di una bionda (1965). Questi due lungometraggi sono considerati emblematici della Nova Vlna, ovvero della Nuova Ondata dei cineasti praghesi che, come stava avvenenendo in Francia con la Nouvelle Vague, rivendicavano la necessità della ricerca di un nuovo linguaggio per il cinema, che fosse capace di narrare la casualità imprevedibile della vita attraverso l’uso più libero e disinvolto della macchina da presa, negli ambienti desueti della quotidianità delle donne e dei giovani, in famiglia e anche nei luoghi di lavoro, percorsi da scontento e inquietudini non ancora politici (il ’68 si stava appena profilando all’orizzonte), ma in aperto contrasto con l’ottimismo delle magnifiche sorti e progressive del realismo socialista.

Proprio su Gli amori di una bionda intendo soffermarmi, per più di una ragione: la prima è che è un film bellissimo; la seconda è che potrebbe essere conosciuto da qualcuno, essendo uscito nell’edizione restaurata dalla Cineteca di Bologna nel 2017 ed essendo stato presentato, per l’occasione, in qualche sala italiana e in parecchi festival estivi, nella sua versione originale; la terza è che, per chi lo desiderasse, dovrebbe essere relativamente facile vederlo su qualche piattaforma di streaming presente in rete.
Più che una storia, il film racconta gli stati d’animo di alcune ragazze che lavorano in un opificio in cui si fabbricano scarpe, in una località isolata e sperduta della Cecoslovacchia, che si chiama Zruc, circondata dai boschi, con soli due edifici oltre alla fabbrica delle calzature: la stazione ferroviaria e il dormitorio delle ragazze, dove, affastellate nei minuscoli spazi dei letti a castello, le giovani qualche volta litigano, ma più spesso si parlano e si abbandonano alle confidenze, ragionando d’amore, come le amiche di Silvia a Recanati: quella è l’età, quelli sono i sogni per il futuro, insopprimibili come la voglia di andarsene, di fuggire lontano da quel borgo selvaggio. Lo sa bene il direttore della fabbrica, che teme di non raggiungere gli obiettivi del piano quinquennale imposti dall’amministrazione comunista, avendo già sperimentato qualche fuga e qualche abbandono. Avrebbe cercato di risolvere la situazione concordando con le autorità militari, alquanto riluttanti, l’arrivo di un po’ di soldati nella zona: una festa danzante ben organizzata avrebbe favorito, secondo i suoi piani, la nascita degli amori e delle amicizie. C’era qualcosa di patetico e di velleitario in questo tentativo, che infatti era stato quasi fallimentare per la diffusa delusione delle ragazze del gruppo di Andula,la bionda del titolo (Jana Brejchová),, alquanto restia a creare legami con quei soldati, sia per la differenza di età, sia per il loro aspetto fisico un po’ troppo massiccio, sia per la goffaggine del loro comportamento. Andula, poi, è attratta dal bravo pianista della serata (Vladimir Pucholt), uno smilzo ventenne, da subito adocchiato, nella cui stanza, infatti, avrebbe trascorso la sua notte d’amore, fra finte ripulse, abbracci appassionati e promesse che non sarebbero state mantenute, come vedremo nell’ultima parte del film, quando la scena, spostandosi a Praga, ci introduce nella casa dove il bel musicista, impenitente dongiovanni, vive con i genitori (Milada Jezkova e Josef Sebanek), disillusi e logorati dalla ripetitività insensata della loro vita quotidiana.
Alla bionda Andula che lì lo aveva cercato e che, dietro la porta, tutto vede e sente le parole meschine, vili e preoccupate di quel terzetto familiare, versando amarissime lacrime, il regista affida il compito di mostrarci lo squallore di quella realtà, in una serie di bellissime e indimenticabili soggettive. I toni del disincanto e dell’ironia, che connotano una gran parte del film, si fanno più tristi e pietosi: nessun melodramma, ma la rappresentazione dolorosa della universale difficoltà di diventare adulti.
Avviso ai naviganti:
La RAI aveva proposto il film QUI, in un’edizione diversa da quella restaurata (conteneva l’arbitraria doppia aggiunta musicale, all’inizio e alla fine del film, di una canzone cantata da Caterina Caselli che non esiste in originale. Grazioso omaggio molto kitsch della distribuzione di allora?). In ogni caso, ora questo film non è più visibile sul sito indicato, né sono informata delle ragioni.

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Bande à part

recensione del film .
BANDE À PART

Regia:
Jean-Luc Godard

Principali interpreti:
Anna Karina, Claude Brasseur, Sami Frey, Louisa Colpeyn, Chantal Darget – 95 min. – Francia 1964.

È arrivato finalmente anche in Italia questo Godard del 1964, nell’edizione restaurata e proposta da Movies Inspired. Forse diventerà un DVD, accessibile agli appassionati che non saranno riusciti a vederlo: per ora la sua presenza nelle sale è alquanto limitata, ma ove possibile, la sua visione è raccomandabile per l’eccezionale qualità delle riprese e anche perché alcune scene avrebbero ispirato nei decenni successivi molto cinema, da Bertolucci  a Tarantino: un film minore (davvero?) che avrebbe lasciato un segno nella storia del cinema.

Rinunciando al colore e riducendo al minimo i costi grazie all’estrema semplicità della messa in scena e alla partecipazione di Anna Karina, sua moglie, protagonista col nome di Odile, Godard aveva tentato di rifarsi delle spese ingenti sostenute l’anno prima (1963) per Le Mépris (Il Disprezzo), costato una fortuna*.
Siamo a Parigi, lungo la tangenziale che porta, costeggiando la Senna, alla prima periferia, grigia e squallida, ma molto autentica, con i suoi bar, gli edifici scrostati e privi di decoro, la varia umanità che la percorre in auto o in bicicletta.

Sono senza arte né parte Franz (Samy Frey), belloccio e disincantato e Arthur (Claude Brasseur), “intellettuale” che si presenta come Arthur Rimbaud e ruba i libri, ovvero i due amici che, a bordo di una vecchia Simca cabriolet, si preparano a realizzare il colpo grosso che hanno in mente, l’occasione di sistemarsi, senza rischi, per il resto della vita, senza dover lavorare, pronti a salpare, dopo, per altri lidi al di là dell’Oceano, fuori dal raggio d’azione della polizia francese.
Piccoli balordi, diversi nell’aspetto e nel carattere, i due, insieme a  Odile (la ragazzina che aveva seguito con Franz le lezioni della scuola d’inglese e che ora sembra attratta da Arthur), si accingono a entrare nella villa di una ricca signora, per mettere le mani su un ingente malloppo, neppure troppo nascosto,  della cui esistenza lei aveva imprudentemente parlato con Franz e che ora li avrebbe seguiti nella realizzazione del goffo e rischioso  progetto criminale, che involontariamente era stata lei a ispirare.
Dico subito che non vedremo un gangster movie, all’americana, perché a Godard interessa poco cogliere gli sviluppi di quel proposito: gli preme, invece, rappresentarlo direttamente nel suo divenire, a confronto con gli imprevisti del caso, fra le mille perplessità di Odile, le discussioni e i piccoli litigi dentro e fuori quell’auto, gli incontri fortuiti lungo la strada, le occasioni per ballare e per divertirsi tutti e tre, dimenticando per un po’ le ragioni del viaggio e i presentimenti cupi che continuano a turbare soprattutto la ragazza e in qualche misura anche Arthur, uomo cupo e pessimista, lontano dal cinismo razionale e incosciente di Franz.

Scorre davanti ai nostri occhi, in presa diretta, la realtà parigina dell’epoca, e anche quella, molto universale, dei tre giovani, un po’ scombinati e, come molti loro coetanei, pieni di sogni, di speranze; innamorati non sempre sul serio. La voce del regista, fuori campo, sembra invitarci a  considerare il non detto delle immagini  ricordandoci, con molta ironia (e soprattutto senza giudizi morali) la finzione della narrazione cinematografica.
Alcune scene si imprimono nella nostra memoria e non l’abbandonano: quella del ballo a tre (che cita Truffaut in modo del tutto originale):

quella della fuga attraverso il Louvre

che Bertolucci avrebbe rifatto a colori, quasi identica nel suo The Dreamer; quella delle alterne esitazioni di Odile dentro il bar, luogo in cui un minuto di silenzio sospende magicamente il fluire delle immagini, ma non la nostra attenzione.

Film affascinante veloce e coinvolgente, pieno di svolte e di sorprese: tutti gli appassionati di cinema dovrebbero conoscerlo.
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* per gli attori famosi che erano stati ingaggiati, per la presenza di Fritz Lang e delle numerose comparse utilizzate nel suo film dentro al film; per le spese esorbitanti della location di Villa Malaparte a Capri.

 

Ascensore per il patibolo

Schermata 2016-04-13 alle 14.26.46recensione del film:
ASCENSORE PER IL PATIBOLO

Titolo originale:
Ascenseur pour l’échafaud

Regia:
Louis Malle

Principali interpreti:
Jeanne Moreau, Maurice Ronet, Georges Poujouly, Yori Bertin, Jean Wal, Lino Ventura – 90 min. – Francia 1958. 

Il primo film di Louis Malle, che, nella sua versione originale, dopo il restauro della Cineteca di Bologna, è stato distribuito in settanta sale italiane, per la gioia di chi ama il cinema. Un bellissimo film.

Questa è la storia maledetta di due amanti: lui è Julien Tavernier (Maurice Ronet); lei è Florence Carala (Jeanne Moreau). Julien lavora nell’impresa di Simon Carala, uomo impegnato in affari poco chiari, marito di lei; entrambi sono legati da una passione così profonda e totalizzante da organizzare con meticolosa razionalità l’uccisione di Simon, simulandone il suicidio, per vivere liberamente il loro amour fou. Il delitto, che è raccontato all’inizio del film, è materialmente compiuto dal solo Julien, che con lei ha definito i dettagli con tale perfetta precisione da rendere inattaccabili i loro rispettivi alibi.
Non andrà così, però: una corda dimenticata; l’ascensore che si blocca all’improvviso rendendo inutili i tentativi di uscirne e raggiungere lei, a sua volta impegnata nella febbrile ricerca di lui nella notte parigina; un furto d’auto che si conclude malamente, ma che accende gelosie e sospetti del tutto infondati… il caso, insomma, inaspettato e imprevedibile manderà in fumo il sogno d’amore della coppia, preparando, forse per entrambi, il cupo futuro evocato dal titolo del film.

Quando Louis Malle girò questo suo primo lungometraggio (aveva alle spalle un solo documentario girato nel 1955 come assistente di  Jacques Yves Cousteau), a Parigi cominciavano ad avvertirsi i primi fermenti della Nouvelle Vague, il movimento al quale egli non aderì mai, ma al quale, per più di un aspetto, proprio questo film sembra preludere, in modo particolare per il gusto delle riprese en plein air che rendono indimenticabile la notte irrequieta di Florence, in quelle strade di Parigi ancora poco esplorate dal cinema, battute dalla pioggia, lontane dalla grandeur trionfale dei boulevard, in singolare opposizione rispetto alla notte claustrofobica di Julien, bloccato nell’ascensore del grande edificio in cui ha commesso il delitto.
Non mancano poi squarci illuminanti della realtà quotidiana, come il risveglio della città; la ripresa della vita dopo la pausa notturna; la riapertura dei bar e dei piccoli bistrot; la lettura dei giornali, e persino la vita nelle case dei poveri, degradate e sporche o negli squallidi ambienti dei commissariati di polizia: un insieme di immagini che ci offrono anche il quadro complessivo delle contraddizioni di una Francia alle prese con gli enormi problemi non ancora risolti del dopoguerra e delle colonie, alla vigilia della ribellione di queste ultime.

Fra i grandi pregi del film va annoverata la straordinaria musica diventata leggendaria: Miles Davis, il grande jazzista che si trovava a Parigi, fu avvicinato da Louis Malle, che non intendeva chiedergli una vera e propria colonna sonora, ma una collaborazione con alcuni musicisti francesi per una seduta di improvvisazione: dopo alcune perplessità, Davis accettò e registrò in una notte (dalle 10 di sera alle 8 del mattino) le musiche che avrebbero accompagnato sette scene del film, precedentemente montate su una bobina, che continuava a proiettare durante tutta la seduta.*

*Chi vuole saperne di più, QUI, troverà per esteso la storia di questo straordinario incontro, molto importante nella storia del Jazz ma anche nella storia del cinema

 

“faccio cose, vedo gente” Oh Boy; un caffé a Berlino

Schermata 11-2456600 alle 20.21.09recensione del film:
OH BOY; UN CAFFE’ A BERLINO

Titolo originale:
Oh boy

Regia:
Jan Ole Gerster

Principali interpreti:
Tom Schilling, Friederike Kempter, Marc Hosemann, Katarina Schuttler, Justus von Dohnanyi – 83 minuti – Germania 2012

Questo film mi ha ricordato, più che Woody Allen, come alcuni hanno detto, la celebre scena di Ecce Bombo (1978), quando Michele (Nanni Moretti, allora molto giovane) chiede all’amica di che cosa viva:

una scena esilarante e insieme il ritratto triste di molti giovani di allora, non solo incapaci di affrontare la vita con i loro mezzi, ma anche convinti che forse non valesse la pena farlo, vista la diffusa ricchezza della quale era possibile pur sempre approfittare.

E’ più malinconica e cupa, ma non molto dissimile l’atmosfera che si respira in questo film del tedesco Jan Ole Gerster, che trentacinque anni dopo, propone, nella Berlino di oggi, un tema analogo, girato, con piglio disinvolto, en plein air, quasi un tributo contemporaneo alla Nouvelle vague. Forse perché nell’opulenta Germania della Merkel, i giovani come lui non hanno molte prospettive per il futuro, a Niko Fischer era parso inutile continuare a studiare presso la prestigiosissima Humboldt-Universität zu Berlin. Perché, però aveva fatto credere addirittura di essere alla vigilia della laurea? Come se la passa Niko a Berlino, senza nulla da fare? Forse anche lui “ gira, fa cose, vede gente“?
Il film non risponde a queste domande, perché il regista non indaga, ma si limita a rappresentarci, attraverso pochi episodi costruiti con cura e raccontati con garbo e indulgente ironia, come sia triste e difficile la vita per il nostro ex studente, quando, abbandonato da tutti e privato dal padre, che aveva scoperto la verità sul suo conto, dei rifornimenti del bancomat necessari alla propria sopravvivenza, cerca di utilizzare, senza riuscirci, le poche monete che gli sono rimaste in tasca per bere un caffé, in una giornata grigia, in cui era stato cacciato anche dalla fidanzata: lo vediamo, infatti, mentre cerca di sistemare le scarse cose di sua proprietà, radunate in pochi capaci scatoloni, nell’alloggio da poco affittato, ma subito preso di mira da un vicino di casa inopportuno e impiccione. Cercando di tenersene lontano, Niko incontrerà un amico attore di terz’ordine, nonché una ex compagna di scuola, che ora si esibisce in uno squallido teatro, nella Berlino notturna frequentata da teppisti e provocatori di ogni risma.
Il finale aperto non ci permette di immaginare il suo futuro, ma la sua pazienza dolce, la sua mancanza di aggressività e anche il ritorno della sua compagna fanno sperare che stia per farcela, scuotendosi di dosso l’indolenza alla quale si è quasi rassegnato e che pare aver ricevuto una salutare scossa dopo l’ultimo fondamentale incontro con un anziano che sta per morire.
Il film, opera prima del regista Gerster, è girato in una Berlino quasi irriconoscibile, se non per qualche scorcio che la rende individuabile, in un raffinato bianco e nero assai bello e molto adatto al soggetto.

una lezione di cinema (La guerra è dichiarata)

recensione del film:
LA GUERRA E’DICHIARATA

Titolo originale:
La guerre est déclarée

Regia:
Valérie Donzelli

Principali interpreti:
Valérie Donzelli, Jérémie Elkaïm, Gabriel Elkaïm, Brigitte Sy, Elina Lowensohn, Michèle Moretti, Philippe Laudenbach, Bastien Bouillon – 100 min. – Francia 2011. –

Questo film ci racconta una storia vera: non solo è realmente accaduta, ma la regista-attrice (Valérie Donzelli) e l’attore (Jérémie Elkaïm) che la interpretano l’hanno vissuta così come ce la raccontano. All’inizio ci sembra solo una bella storia d’amore: una scintilla improvvisa fra i due, durante una serata in un locale, ed ecco nascere la bella storia di due giovani (Roméo e Juliette, si ribattezzano) che si piacciono molto, si amano, e decidono di mettersi insieme: arriverà un bambino, Adamo, a completare la loro gioia. La gioia, purtroppo, non durerà a lungo: un tumore al cervello, fra i più tremendi e aggressivi, colpirà il piccolo, mettendo alla prova la giovane coppia: la malattia deve essere affrontata con pazienza e realistica fiducia, tenendo a freno l’angoscia e affrontando giorno dopo giorno i problemi che si presentano e che l’emotività non aiuta a risolvere. Roméo e Juliette mettono in atto una strategia fatta, per quanto possibile, di normalità, dividendosi i compiti o dividendoli, senza troppo insistere, però, con le rispettive famiglie, ma anche concedendosi un po’ di footing, un po’ di profumo di mare, qualche incontro con i vecchi amici… La malattia di Adamo li cambierà profondamente: se anche non verrà mai a mancare fra loro la più profonda solidarietà, la loro unione non potrà reggere. Il film procede in un crescendo di tensione, poiché fino all’ultimo a nessuno è dato di sapere se il piccolo ce la farà, e ha quindi molte caratteristiche di un thriller, ma non di un thriller girato in studio. La regista si muove, con la sua macchina da presa, per le strade di Parigi, nelle case, segue i colloqui trepidanti fra i due coniugi che cercano di farsi coraggio, segue il loro muoversi nei lunghi corridoi dell’ospedale, le loro attese davanti alle spaventose procedure per le TAC o per la risonanza magnetica, il dolore attonito e ansioso dei loro volti, le loro domande senza risposta (perché a noi?, perché a lui?), ma anche le espressioni preoccupate di medici e infermieri, la loro umana comprensione, la loro accettazione combattiva di eventi rari, ma possibili, inspiegabili nella loro crudeltà. I movimenti della camera seguono con perfetta sincronia la concitazione dei primi momenti o l’indagine calma che racconta lunghe attese, stanchezza, momenti di nervosismo, oppure tentativi di tornare a vivere pochi sprazzi di normalità, permettendoci di vedere un film sobrio e pudico, in cui il patetismo non prende mai il sopravvento e il racconto non diventa facilmente strappalacrime, come avviene in molto, troppo direi, cinema americano. La grande scuola della Nouvelle Vague non solo non è mai morta, ma si direbbe abbia ancora molto da insegnare. Davvero un bellissimo film.