1981: Indagine a NewYork

Schermata 2016-02-06 alle 21.14.35recensione del film:
1981: INDAGINE A NEW YORK

Titolo originale:
A most violent Year

Regia:
J.C. Chandor

Principali interpreti:
Oscar Isaac, Jessica Chastain, David Oyelowo, Alessandro Nivola, Albert Brooks, Elyes Gabel, Catalina Sandino Moreno, Peter Gerety, Christopher Abbott, Ashley Williams, John Procaccino, Glenn Fleshler, Jerry Adler, Annie Funke – 125 min. – USA 2014.

Abel Morales  (splendidamente interpretato da Oscar Isaac) era un uomo di grandi ambizioni, ma di modeste origini, figlio di immigrati messicani, convinto di poter realizzare il proprio sogno americano. Lavorando sodo e onestamente, nel rispetto scrupoloso delle leggi, egli era diventato un piccolo imprenditore affermato nell’attività di trasporto del gasolio per riscaldamento, ma ora puntava decisamente più in alto: stava trattando, infatti, con un esponente della comunità chassidica di Brooklyn per l’acquisto di un grandissimo lotto di terreno e di un contiguo enorme edificio: la costruzione avrebbe stivato le scorte di olio combustibile in misura più che sufficiente per scaldare, fin da subito, tutta New York, durante uno degli inverni più gelidi della sua storia, mentre dal parcheggio sorto su quel terreno sarebbero partiti i suoi camion, debitamente riforniti, alla volta della metropoli, in tutta sicurezza, con notevole risparmio dei costi e quindi con prezzi così competitivi da garantirgli il controllo dell’intero mercato. L’affare si era avviato: Abel, assistito dal suo legale, aveva firmato l’oneroso contratto necessario per diventare padrone di tutta l’area: il vecchio proprietario gli aveva ricordato a quali penalità gravissime sarebbe andato incontro nel caso non l’avesse concluso, entro un mese, con il saldo dell’intera somma richiesta (per ora ne aveva versato la metà).  Era ottimista Abel: in fondo, non si trattava che di pazientare: tutto sembrava volgere al meglio, né esistevano ragioni plausibili per immaginare il peggio. Il peggio, invece, sarebbe arrivato subito: aggressioni ai suoi camionisti lungo la strada, tentativi di introdursi in casa durante la notte… come se un’oscura forza malvagia lo avesse preso di mira: una presenza feroce, senza un volto riconoscibile, né fattezze individuabili, ma capace di colpirlo nei suoi affetti più cari, oltre che nel suo sogno di piccolo imprenditore che tentava di farsi grande. Ad aggravare la situazione si era messa d’impegno persino l’autorità giudiziaria, che non fidandosi di lui, stava avviando un’indagine per verificare i suoi conti, anziché proteggerlo e aiutarlo di fronte a minacce e intimidazioni sempre più gravi. Nel 1981, annus horribilis per quella città, era cresciuto a dismisura il numero dei delitti e degli episodi di corruzione, che non avevano mai sfiorato né la sua vita né la sua attività e che proprio ora, a un mese dalla scadenza del contratto, dunque nel momento più delicato, rendevano incerto il suo futuro, quello della sua famiglia, delle sue bambine, dei suoi dipendenti e insidiavano persino la sua immagine di uomo probo, realizzatosi senza mai aver ceduto ai ricatti e ai compromessi a cui altri si erano piegati senza troppi scrupoli. La sua probità, agli occhi dell’amatissima moglie Anna (una fascinosa Jessica Chastain, bravissima e ambigua quanto basta per creare l’atmosfera di incertezza del film) sembrava debolezza incosciente; i suoi dipendenti, sistematicamente aggrediti da banditi armati e crudeli lungo la strada, avrebbero voluto armarsi a loro volta; lo stesso suo avvocato manifestava una certa propensione al compromesso e alla trattativa…

Il bravissimo regista (lo stesso di Margin Call) racconta la vicenda con la giusta lentezza e con gelida impassibilità, riuscendo a creare un’atmosfera di grande tensione, scandita da qualche colpo di scena, quando meno ce lo si aspetta, ciò che rende appassionanti le due ore di proiezione, durante le quali è difficile annoiarsi. Una fra le cose migliori viste quest’anno, anche se il film era già pronto nel 2014!

Chapeau alla piccola casa distributrice che, scommettendo sulla qualità del film (e degli spettatori), ha permesso di  vederlo a molti di coloro che ormai lo ritenevano perduto.

 

la tenacia di Maya (Zero Dark Thirty)

Schermata 02-2456341 alle 08.29.08recensione del film:

ZERO DARK THIRTY 

Regia:

Kathryn Bigelow

Principali interpreti:

Jessica Chastain, Jason Clarke, Joel Edgerton, Jennifer Ehle, Mark Strong, Kyle Chandler, Edgar Ramirez, Jessica Collins, Callan Mulvey, Fredric Lehne, Harold Perrineau, Lee Asquith-Coe, Mike Colter, Mark Duplass, Scott Adkins, Chris Pratt, Stephen Dillane, Frank Grillo, Taylor Kinney  –  157 min. –  USA 2012.

Questo bel film ricostruisce in modo teso e avvincente, mescolando la storia documentabile con l’invenzione verosimile, la lunga caccia a Osama Bin Laden, che, dopo gli attentati dell’11 settembre 2001, si era rifugiato in una località del Pakistan, non lontana dai confini con l’Afganistan.La regista prepara molto bene gli spettatori alla cruda realtà delle prime scene, evocando, sullo schermo nero, le vittime innocenti dell’11 settembre, attraverso lo strazio delle loro ultime parole e delle loro ultime disperate conversazioni dai cellulari: questo incipit non costituisce il preambolo del film, ma è sua parte integrante, poiché, senza la memoria di quello strazio, credo, nessuno di noi potrebbe accettare le scene successive, quelle che realisticamente rappresentano la tortura dei prigionieri rinchiusi nelle carceri segrete americane a Islamabad. Il film, che, come il precedente della Bigelow, The Hurt Locker, è un film di guerra, racconta la guerra ai terroristi di Al Quaeda, senza risparmiarci nulla, parlandoci, oltre che dell’aspetto investigativo, logico e deduttivo, affidato in gran parte alla giovane Maya (splendidamente interpretata da Jessica Chastain), anche dell’aspetto più sporco di quella guerra, quello che non si può evocare senza suscitare la ribellione di qualsiasi coscienza civile. Maya è una ragazza, ufficiale della CIA, inviata in Pakistan per il suo carattere duro e determinato, ma anche per la sua intelligenza operativa e le sue capacità investigative, che le serviranno infatti a individuare, dopo dieci anni di lavoro, il rifugio segreto del ricercato, convincendo la Casa Bianca di Obama e di Hilary Clinton, dell’opportunità di autorizzare i soldati a concludere l’operazione, nonostante lo scetticismo e l’incredulità dello staff dei funzionari e degli impiegati suoi colleghi. Ha assistito con disgusto agli interrogatori sotto tortura, ma ha cercato di superare la propria repulsione in vista del risultato al quale si dedica completamente, utilizzando i mezzi diversi dell’indagine e della logica. Nello scenario diffidente e ostile del territorio pakistano, in cui muoversi è rischiosissimo, Maya lavora in assoluta solitudine, sia perché, come gli altri americani in servizio in questa zona, subisce la difficoltà di trovarsi fra persone potenzialmente nemiche e infide, sia perché è cosciente del proprio isolamento anche all’interno degli uffici della CIA, dove, pur senza che qualcuno apertamente glielo dica, viene considerata imprudente e un po’ fanatica, e percepita generalmente come estranea all’ ambiente, per tradizione maschile, in cui prevalgono comportamenti pregiudizialmente misogini, ma anche opportunistici, in vista della carriera e del quieto vivere. Amarezze, dolori, delusioni, che hanno accompagnato il suo lavoro per  anni, sembrano aver fine, grazie al successo dell’operazione molto rischiosa che, permettendo la cattura e l’uccisione dell’uomo più ricercato al mondo, lascia che, per un momento, la donna ritrovi se stessa e le sue fragilità a lungo compresse: le sue lacrime, alla fine del film, tuttavia, mentre indicano lo sciogliersi della tensione, segnalano anche lo smarrimento per il venir meno dello scopo a cui la sua vita era stata interamente dedicata. Gli ultimi quaranta minuti della pellicola si soffermano sull’intervento al buio (Zero Dark Thirty significa mezzanotte e mezza) dei corpi speciali che, allontanatisi dal vicino Afganistan, su un aereo reso non rilevabile dai radar, si dirigono verso la presunta casa- fortezza di Bin Laden, sperando di riuscire a trovarlo e a ucciderlo. Il volo, lungo il paesaggio oscuro dei massicci asiatici, è certamente uno dei più suggestivi e poetici che il cinema abbia rappresentato, anche perché il suo ondeggiare incerto fra le forre e le gole scurissime del paesaggio sottostante racconta simbolicamente gli alterni sentimenti di paura, di timore e di speranza che attraversano gli uomini al suo interno, che, anche se sono molto ben addestrati e armati, non diventano mai superuomini indifferenti né supereroi. L’ umanità dei diversi protagonisti del film, dunque, ci impedisce di vederlo esclusivamente come un film d’azione in cui la tensione narrativa sale alle stelle: questo è e rimane il bellissimo racconto di una guerra difficile e dolorosa, fatta di sofferenze e di sangue e anche di successi, che in qualche modo lasciano in bocca un sapore molto amaro.

Il film, molto coinvolgente, è condotto con mano sicura dalla regista, che ha ricostruito, insieme allo sceneggiatore  Mark Boal, giornalista e compagno della sua vita, con estrema accuratezza, una vicenda in cui le informazioni erano scarse e reticenti. In una bella e interessante intervista, concessa ai Cahiers du Cinema, il 18 gennaio 2013, la regista afferma che l’intento suo e di Mark Boal, in questo film, (così come era avvenuto per il precedente, The Hurt Lockerera stato quello di far luce sui lunghi anni opachi dopo l’attentato al World Trade Center, senza possibilità di accesso alle informazioni. Il primo maggio del 2011, la notizia della cattura di Osama costrinse Mark a modificare il progetto del film e a riscriverlo parzialmente, ritardandone l’uscita, perché gli sviluppi della vicenda richiesero nuove ricerche e nuovi studi. Questa precisazione è importante per capire come e quanto la regista tenesse a un film, sia pure non strettamente documentaristico, sostanzialmente veritiero, in cui ombre e luci fossero presenti, non per un suo malvagio volere, ma perché effettivamente richieste dalla verità storica. Aver mostrato la tortura nella sua crudeltà, all’inizio del film, è parte appunto di questo desiderio di far luce e di far conoscere, non celando e non giustificando, ma narrando semplicemente i fatti; la regista, anzi, rivendica che, grazie a questo suo film, venga rilanciato quel dibattito sulla tortura che, aperto dopo il 2002 negli Stati Uniti, successivamente si era spento, respingendo con decisione l’accusa che rappresentare una nefandezza così disumana voglia dire sostenerla e compiacersene. 

le preziose ridicole (The Help)

recensione del film:
THE HELP

Regia:
Tate Taylor

Principali interpreti:
Emma Stone, Viola Davis, Bryce Dallas Howard, Octavia Spencer, Jessica Chastain,Ahna O’Reilly, Allison Janney, Anna Camp, Chris Lowell, Cicely Tyson, Mike Vogel, Sissy Spacek, Brian Kerwin, Leslie Jordan, David Oyelowo, Wes Chatham, Roslyn Ruff, Shane McRae, Ritchie Montgomery, Tarra Riggs, Tiffany Brouwer, La Chanze, Carol Sutton, Aunjanue Ellis, Dana Ivey
– 137 min. – USA 2012.

Ambientato a Jackson (Mississipi) nel corso degli anni ’60, quando, soprattutto negli stati del Sud la discriminazione razziale persisteva tenacemente, questo film ricostruisce la vita delle donne (gli uomini contano proprio poco in questo caso) bianche e nere della città: le prime, in genere, non lavorano, ma passano le giornate fra partite al bridge e organizzazione di party di beneficenza, magari per i bambini africani. Il loro aspetto è quello delle signore molto per bene all’epoca: vita di vespa, gonne scampanate e sgargianti, capelli cotonati e laccati: la femminilità, insomma, stereotipata, subordinata all’esigenza della seduzione, fondamentale per donne che neppure immaginano di poter lavorare per guadagnarsi da vivere. Le nere, invece, lavorano per loro: sono le tate dei loro figli, con i quali, in genere, stabiliscono un rapporto di vero affetto, ma che si occupano anche della casa e del cibo. Le mansioni sono tutte impegnative e delicate, ciò che dovrebbe testimoniare un fondamento di fiducia nei loro confronti. Purtroppo non è così: gli orari massacranti, le pretese spesso assurde, il pregiudizio nei confronti della diversità della loro pelle, le discriminazioni conseguenti e umilianti ci dicono che la strada per i diritti civili è ancora lunga e in salita: per questi diritti Jon Kennedy e Martin Luther King stanno lottando e di lì a poco, verranno uccisi. Eppure, anche nella città di Jackson, qualcosa sta per cambiare: la giovane Eugenia Skeeter, di ritorno dal College, si è fatta un’idea diversa della vita delle donne: vuole lavorare, magari tentando la strada della scrittura, attività che adora.
E’ inoltre inorridita dai modi di fare, di atteggiarsi di vestire, nonché dai discorsi che sente fra le donne bianche, a cominciare da sua madre, probabilmente più intelligente di altre, ma ormai pigramente adagiata nel conformismo pettegolo, parolaio e anche feroce delle preziose ridicole della città. Grazie a lei, (e anche al maturare di un clima nuovo sotto la presidenza Kennedy, mi permetterei di aggiungere), uscirà uno scandaloso libro in cui le narrazioni autobiografiche delle donne nere, col loro fardello di dolori e umiliazioni, ma anche di storie più o meno divertenti, saranno raccolte, così da costituire una importante documentazione, utilizzabile nella lotta per i diritti civili. Il film è quindi una specie di “come eravamo” per gli spettatori americani: rinfrescare la memoria in un tempo in cui la rimozione del passato è la norma, può essere utile. Può anche essere utile fuori dagli Stati Uniti, per esempio da noi, non per dirci come eravamo, ma come stiamo diventando: ridicoli e crudeli nella pacchiana ostentazione della nostra ricchezza, di fronte agli stranieri che lavorano duramente per noi, senza diritti civili, a partire da quello di cittadinanza. Dopo aver detto questo aggiungo, però, che il film ha due fondamentali difetti: segue anche troppo minutamente le tracce del romanzo da cui è tratto: “The Help” di Kathryn Stockett, best seller da tempo sul mercato librario newyorkese; sembra, inoltre, scritto con un occhio a qualche Oscar, col suo buonismo un po’ dolciastro e politically correct, nella descrizione, oggi innocua, delle dure ingiustizie subite dalle donne nere, cittadine americane discriminate. Eccellenti le interpretazioni delle attrici nere, soprattutto di Octavia Spencer, nel ruolo di Minny.

un film ingenuamente consolatorio – (The Tree of Life)

Recensione del film:
THE TREE OF LIFE

Regia:
Terrence Malick

Principali interpreti:
Brad Pitt, Sean Penn, Jessica Chastain, Fiona Shaw, Joanna Going, Hunter McCracken, Laramie Eppler, Tye Sheridan, Jackson Hurst, Lisa Marie Newmyer, Crystal Mantecon, Tom Townsend, Jennifer Sipes, Tamara Jolaine, Will Wallace, Kimberly Whalen, Michael Showers, Danielle Rene, Margaret Hoard, Zach Irsik, Brayden Whisenhunt, Erinn Allison, Jodie Moore, Chris Orf, Cole Cockburn, Christopher Ryan, Alex Draguicevich, Robin Read, Anne Nabors – 138 min. – India, Gran Bretagna 2011

il film descrive la vita di una famiglia texana negli anni ’50, soffermandosi sui rapporti affettivi, e sulle dolorose lacerazioni provocate dalla morte di un figlio: lo sfondo di questa tragedia familiare è il processo grandioso che ha reso l’ambiente naturale adatto all’insediamento della vita vegetale, animale e infine umana, secondo una visione evoluzionistica, che sembra priva di senso e di finalità. Venti minuti di immagini molto belle ed elaborate si susseguono, suscitando sconcerto in alcuni spettatori e meraviglia in altri, per ripercorrere la storia del cosmo e della terra, collocando perciò il dolore dei membri di questo piccolo nucleo, nella più generale tragedia di ogni uomo, per il quale nascita e morte segnano i confini dell’esistenza secondo logiche e leggi che non tengono conto di progetti, di affetti, di voglia di vivere. Il regista, però, fin dall’inizio del film, ci dice che se noi non accettassimo una visione esclusivamente naturalistica dell’Universo, accontentandoci delle sole spiegazioni scientifiche, e ricorressimo a una spiegazione fondata sulla Grazia, potremmo trovare un senso e un fine alle cose e alle vicende che ne paiono prive. Il film ha inoltre un preciso richiamo al libro di Giobbe, nell’incipit, il che significa che la ricerca del senso non comporta necessariamente una risposta positiva all’aspirazione dell’uomo a vivere senza soffrire. Il Dio che Malick postula nel film potrebbe, come quello di Giobbe, chiedere agli uomini fede e obbedienza a leggi umanamente poco comprensibili, apparentemente capricciose e arbitrarie, come fa il padre della famiglia del film, che pare compiacersi dell’arbitrio delle sue assurde imposizioni e che, non a caso, esige che i figli lo chiamino “Signore”. L’accostamento blasfemo, è probabimente plausibile: nel film abbondano, infatti, altri parallelismi più o meno espliciti, che, se meditati, ne permettono una migliore comprensione. La parte centrale (e forse migliore) del film è dedicata alla descrizione della vita familiare e delle dinamiche che si creano fra i diversi membri del piccolo nucleo: un padre severo e autoritario che fissa i paletti entro i quali i figli possono muoversi e agire; una madre dolce e protettiva, a sua volta vittima delle angherie del marito; tre bambini che, incuranti dei divieti paterni, si dedicano all’esplorazione sistematica del mondo che li circonda, ai giochi anche violenti e aggressivi nei quali misurano le proprie forze , sospinti dalla volontà di conoscersi e di conoscere il mondo, come è avvenuto nella storia dell’uomo, il cui incoercibile bisogno di sapere non ha mai accettato limiti. La conoscenza disgiunta dalla Grazia, tuttavia, ha ottenuto solo apparentemente risultati positivi: la razionalità fredda dei bellissimi grattacieli, che nel film paiono quasi gareggiare per imponenza con gli spettacoli naturali, non emoziona, è priva di pathos, non suscita desiderio di protezione e d’amore. Sono le esigenze profonde che postulano l’esistenza di un Dio che ci risarcirà, sia pur tardivamente (è tardivo anche il perdono che il padre chiederà al figlio a lungo vessato), colmando lo scarto fra la creazione, che impone a ogni essere vivente rigidi e dolorosi limiti, e l’aspirazione all’ amore e alla gioia che è in ognuno di noi. Il guaio è, però, che questo tardivo risarcimento, nel film, almeno, è assai poco allettante: un al di là incolore e mieloso in cui solo l’amore domina fra le creature e che se dovesse durare in eterno, sarebbe davvero di una noia insopportabile. Questo film è molto discutibile, così come è più che discutibile la Palma d’oro che a Cannes gli è stata assegnata. Mi ha lasciato molti dubbi e perplessità la frammentarietà della narrazione, quasi impressionistica, che rivela una forma complessivamente non all’altezza del contenuto filosofico, rimasto troppo spesso in una condizione di ingenua velleità.