LOUISIANA (The other Side)

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La mia recensione
– aggiornata al gennaio 2021 – del film documentario:

LOUISIANA (THE OTHER SIDE

per la regia di Roberto Minervini

si trova qui

https://www.filmtv.it/film/78008/louisiana/recensioni/986088/#rfr:user-71012

Cast:
Mark Kelley, Lisa Allen, James Lee Miller – 92 minuti- Italia, Francia 2015

MANTA RAY

 

 

 

 

La mia recensione del film
MANTA RAY

per la regia di
Phuttiphong Aroonpheng

Si trova QUI:

https://www.filmtv.it/film/161217/manta-ray/recensioni/964994/#rfr:film-161217

 

CAST:
Wanlop Rungkumjad, Abhisit Hama, Rasmee Wayrana
– 105 min. – Tailandia, Francia, Cina 2018.

Titolo originale:
Kraben Rahu

 

CAFARNAO-CAOS E MIRACOLI

 

 

 

 

la mia recensione del film:
CAFARNAO-CAOS E MIRACOLI

per la regia di
Nadine Labaki

 

si trova QUI:

https://www.filmtv.it/film/157435/cafarnao-caos-e-miracoli/recensioni/951547/#rfr:film-157435

 

CAST:
Zain Alrafeea, Yordanos Shifera, Boluwatife Treasure Bankole, Kawsar Al Haddad – 120 min. – Libano, USA 2018.

Titolo originale:
Capharnaüm

 

CHIAMAMI COL TUO NOME

 

 

 

 

la mia recensione del film
CHIAMAMI COL TUO NOME

per la regia di
Luca Guadagnino

si trova QUI:

https://www.filmtv.it/film/115496/chiamami-col-tuo-nome/recensioni/915427/#rfr:film-115496

CAST
Armie Hammer, Timothée Chalamet, Michael Stuhlbarg, Amira Casar, Esther Garrel – 132 min. – Italia, Francia, USA, Brasile 2017

Titolo originale:
Call me by your name

 

A CASA NOSTRA

 

 

 

 

la mia recensione del film:
A CASA NOSTRA

per la regia di
Lucas Belvaux

si trova QUI:

https://www.filmtv.it/film/114761/a-casa-nostra/recensioni/892041/#rfr:film-114761

 

CAST:
Émilie Dequenne, André Dussollier, Guillaume Gouix, Catherine Jacob, Anne Marivin, Patrick Descamps, Charlotte Talpaert, Mateo Debaets, Evelyne El Garby Klaï – 117 min. – Francia, Belgio 2017.

Titolo originale:
Chez nous

 

Vi presento Toni Erdmann

schermata-2017-03-03-alle-20-09-12recensione del film:
VI PRESENTO TONI ERDMANN

Titolo originale:
Toni Erdmann

Regia:
Maren Ade

Principali interpreti:
Peter Simonischek, Sandra Hüller, Michael Wittenborn, Thomas Loibl, Trystan Pütter, Hadewych Minis, Lucy Russell, Ingrid Bisu, Vlad Ivanov, John Keogh, Ingo Wimmer, Cosmin Padureanu, Anna Maria Bergold – 162 min. – Germania, Austria 2016.

Qualcuno (perdonatemi se non ricordo chi) ha accostato questo film all’irriverente scultura di Cattelan prospiciente il Palazzo della Borsa a Milano: un dito medio che protendendosi dal dorso di una mano sembra indicare la necessità che un’ ironia graffiante metta in forse il nuovo “Verbo”, ovvero il neo-liberismo che dell’economia finanziaria si serve senza scrupoli.
Questo accostamento, secondo me, pur cogliendone, probabilmente, un aspetto, non esaurisce il complesso significato di questo film quale emerge dal racconto della drammatica storia dell’amore interrotto fra un padre e una figlia, sullo sfondo di una globalizzazione in cui ai rapporti più naturalmente umani si vanno sostituendo le connessioni internazionali della “rete”, idolo crudele al quale veniamo tutti sacrificati, sulla base indiscutibilmente “neutrale” (ma è davvero così?) dei grafici e delle tabelle.
Ci racconta, infatti, la regista tedesca Maren Ade, al suo terzo lungometraggio, che se è pur vero che qualche sana risata potrebbe seppellire la spocchia autoreferenziale degli addetti alle operazioni economiche e finanziarie, che giocano con la vita e le speranze di tutti noi, è altrettanto vero che i costi di quella spocchia arrogante diventano presto o tardi insostenibili anche per loro, costretti, infine, a fare i conti con la propria fragilità acuita dalla solitudine e dal deserto degli affetti.
Ines Conradi (Sandra Hüller), la protagonista di questo film, è una tedesca (una “bruttina stagionata”, direbbe, forse, Carmen Covito) che lavora a Bucarest dove la multinazionale da cui dipende l’ha incaricata di elaborare le proposte più adeguate per la delocalizzazione delle aziende locali, presentando piani particolareggiati per il licenziamento “indolore” del personale. Ines parla perfettamente l’inglese; è continuamente connessa con i colleghi che in qualsiasi momento e da ogni angolo del pianeta l’aggiornano, le forniscono dati, mappe, informazioni che ne accrescono efficienza, prestigio e… crudeltà.  Non esistono affetti per lei: non l’amore, sostituito dal rapporto con un collega che non può e non deve coinvolgerla, distaccato a tal punto da sfiorare la perversione,  non esiste la famiglia: la madre e la nonna, anch’esse a Bucarest, accettandone la “brillante” carriera, si accontentano di vederla qualche volta soltanto. Chi non si rassegna, però, è suo padre Winfred Conradi (grandissimo Peter Simonischek), che vive da solo in Germania e che, ora che è in pensione e gli è morto il vecchio cane fedele, si muove verso la Romania per tentare di ricucire un rapporto con lei. Era sempre stato un burlone, Winfred; gli era sempre piaciuto travestirsi e recitare, semi-nascosto da un trucco clownesco a cui amava aggiungere una chiostra di finti dentoni sporgenti che gli davano (o avrebbero dovuto dargli) un aspetto aggressivo, cosicché, vestito da Toni Erdmann, ora che l’aveva riavvicinata e che ne era stato umiliato, si era presentato agli appuntamenti importanti di lei, intenzionato a svelare l’inconsistenza vuota e ipocrita dei suoi modi e del suo linguaggio.
La satira buffonesca di Toni Erdmann, travestito da ambasciatore tedesco, ora sfrontato e beffardo, ora volgare e sguaiato, turba Ines, che tuttavia ancora lo respinge, inducendolo all’estremo camuffarsi celando il proprio corpo e il proprio capo dentro la maschera soffocante del Kukeri, l’animale pelosissimo che, secondo la tradizione antica dei popoli della Tracia, teneva lontani gli spiriti maligni.

Il film procede con lenta progressione, fra gag, invenzioni comiche spettacolari, ricevimenti ingessati, balli e vuoti discorsi fino alla svolta determinata dall’irrompere improvviso del Kukeri nel bel mezzo di un Naked party nella casa di Ines. Forse non è ancora il ritrovarsi tanto atteso, che abbisogna dei tempi lunghissimi del maturare della coscienza di Ines, ma è quasi sicuramente la nascita di un rapporto nuovo, del nuovo interesse all’ascolto reciproco, e anche, per lei, dell’ascolto di sé, dei propri bisogni profondi, ivi compresi quelli di quel corpo troppo a lungo ignorato per privilegiare una carriera che ha cancellato affetti e ricordi, ma non l’ha fatta star bene.
Splendidamente recitato, il film, ottimamente accolto a Cannes nel 2016 è da vedere assolutamente, poiché rivela una regista di grande originalità, poco nota da noi, di cui forse varrebbe la pena conoscere anche i film precedenti.

Manchester by the Sea

schermata-2017-02-17-alle-19-34-41recensione del film:
MANCHESTER BY THE SEA

Regia:
Kenneth Lonergan

Principali interpreti:
Casey Affleck, Michelle Williams, Kyle Chandler, Lucas Hedges, Gretchen Mol
– 135 min. – USA 2016. –

Lee (Casey Affleck) era vissuto da sempre con la sua famiglia d’origine (i Chandler) a Manchester by the Sea, cittadina del New England nella quale insieme alla moglie Randi (la bravissima Michelle Williams) aveva creato una famiglia tutta sua, con tre bei bambini teneramente amati. Con Randi, purtroppo, qualcosa non aveva funzionato: era diventata una donna apatica, scontenta e rancorosa: così almeno la vediamo nelle poche, ma memorabili apparizioni del film. Che cosa avesse incrinato il loro matrimonio non ci viene detto: sappiamo, però che, dopo l’incendio immane che aveva portato via, insieme al  cottage in cui abitavano, il senso stesso del loro ormai fragilissimo rapporto, Randi sarebbe rimasta a Manchester, mentre Lee se ne sarebbe andato a Boston, tentando di ricominciare a vivere, schiacciato dal peso dell’accaduto, dal senso di colpa di cui non riusciva a liberarsi, originato dai rimorsi per una presunta leggerezza che acuiva un dolore senza scampo.

A Boston, dove si era sistemato nel piccolo monolocale semi-interrato di uno stabile periferico, aveva trovato un lavoro: un amministratore di condomìni gli aveva infatti affidato la manutenzione e la riparazione degli impianti idraulici ed elettrici degli anonimi palazzoni di cui si occupava. Non lo preoccupava l’esiguità della paga, appena sufficiente a sopravvivere, poiché la disperazione sembrava averlo reso di ghiaccio e indifferente al proprio futuro. Suo fratello Joe (Kyle Chandler) gli aveva però acquistato un tavolo e una poltrona-letto che a Patrick (Lucas Hedges), suo figlio, avrebbe potuto far comodo se, terminato il liceo, avesse proseguito i suoi studi a Boston.
Gli affettuosi rapporti di sempre fra Lee e Patrick si sarebbero complicati, di lì a poco, per la morte improvvisa di Joe: ora Lee avrebbe dovuto occuparsi di quel nipote sedicenne fragile, rimasto solo al mondo (la madre aveva da tempo fatto perdere le proprie tracce) e perciò bisognoso di essere aiutato a crescere da un familiare attento e partecipe dei suoi problemi. Il testamento di Joe non lasciava dubbi in proposito: affidava quel figlio all’amato fratello, che ne sarebbe diventato il tutore, amministrando, nel suo interesse, i suoi risparmi e le sue proprietà.

La storia della solitudine di Lee, inebetito e raggelato dal cumulo delle proprie sciagure, rassegnato a scontarle fino in fondo soprattutto per volontà di espiazione, avrebbe potuto a questo punto diventare un drammone lacrimoso e insopportabile.
Kennet Lonergan, quasi sconosciuto regista newyorkese*, si rivela invece davvero all’altezza della difficoltà, poiché riesce a mantenere il racconto in un eccezionale equilibrio narrativo, conferendogli un carattere dolorosamente malinconico, in armonia coi magnifici e lattiginosi colori pastello del paesaggio nordico splendidamente fotografato.
Il film ci informa con lenta pacatezza dei fatti che avevano trasformato in un inferno tormentoso la vita di Lee Chandler, adottando un procedimento non diacronico del racconto, in cui, con grande naturalezza, si inseriscono, in uno scambio continuo fra presente e passato, ampi squarci del suo vissuto, flashback che scavano a fondo nei segreti della sua coscienza e del suo cuore. Spesso il passato è evocato mentre risuonano, rimanendo sullo sfondo, brani famosi di musica classica che accompagnano emotivamente gli spettatori a sopportare le situazioni più dolorose e difficili, senza sottolineare con effetti fragorosi la drammaticità che è tutta e soltanto nelle cose raccontate con austero pudore. Del tutto funzionale a questo equilibrio, mai tentato da toni enfatici, è l’uso costante di un delicato registro ironico, indulgente contrappeso alla narrazione del dolore. È Patrick, deuteragonista del film, colui che, con la sua presenza vitale e con l’affermazione accorata e anche buffa delle proprie necessità di adolescente che si affaccia alla vita adulta, riporta (forse) un po’ di luce tranquilla nel mondo cupo e disperato dello zio, costringendolo a uscire dal proprio egocentrismo e da quel “lago d’indifferenza” che sembra essere diventato il suo cuore, per confrontarsi con nuovi e  imprevisti problemi, quelli legati alle sue velleità di ragazzo convinto di saper bastare a se stesso, e di poter a lungo celare il dolore dietro la maschera dell’allegria spensierata con gli amici, i conoscenti e le ragazze per le quali comincia a provare curiosità e attrazione.
Di eccezionale rilievo, a questo proposito, l’interpretazione del giovane Lucas Hedges, che riveste perfettamente i panni dell’adolescente che unisce ai turbamenti e ai mutamenti di umore dell’età le contraddizioni di una condizione dolorosa inaccettabile e davvero incomprensibile.
Di uguale efficacia è la prova d’attore di Casey Affleck, che maschera nel gelo di un comportamento duro e talvolta aggressivo, il proprio disperato e vano bisogno di dimenticare, pur nella coscienza di dovere a Patrick la comprensione e l’attenzione che richiede la sua fragilità, emersa drammaticamente in una scena indimenticabile.
Film, a mio avviso, molto bello, anche se molto discusso, candidato a un certo numero di Oscar, che mi auguro ottenga almeno in parte, a riconoscimento della sua qualità non certo comune.  La sua visione mi pare assolutamente da consigliare.

*Ha avuto, in realtà, come regista, un’attività cinematografica piuttosto ridotta: tre soli film in sedici anni, di cui qualcuno potrebbe ricordare il primo: Conta su di me (2000). Più noto come co-sceneggiatore di due film di successo: Terapia e pallottole (1999) e  Gangs of New York di  Martin Scorsese (2002). Assai conosciuto, invece, come scrittore teatrale.

Il cittadino illustre

schermata-2016-11-26-alle-22-12-13recensione del film:
IL CITTADINO ILLUSTRE

Titolo originale:
El ciudadano ilustre

Regia
Gastón Duprat, Mariano Cohn

Principali interpreti:
Oscar Martínez, Dady Brieva, Andrea Frigerio, Belén Chavanne, Nora Navas, Iván Steinhardt, Marcelo D’Andrea, Manuel Vicente – 117′- Argentina/Spagna 2016

Gli avevano dato il Nobel per la letteratura, ma Daniel Mantovani (Oscar Martinez), scrittore argentino per nascita e spagnolo di Barcellona per elezione, non sembrava averlo molto gradito, stando, almeno, al discorso pronunciato col quale avrebbe dovuto ringraziare tutti, dai giurati al re di Svezia, che forse ci erano rimasti un po’ male! Aveva sostenuto, infatti, Daniel, con un accento di verità non privo di snobismo, che i premi, e il Nobel in modo particolare, sanciscono la fine della carriera di qualsiasi scrittore, poiché, suggellando meriti e pregi di un’opera ormai conclusa e gradita al pubblico e fissandone rigidamente i contorni, gli rendono molto difficile, se non impossibile, imboccare nuovi percorsi, per quanto promettenti. Era accaduto, infatti, che dopo quel premio Daniel non avesse più scritto alcunché: aveva perso l’ispirazione, assediato da inviti per incontri, conferenze, convegni in ogni parte del mondo. Aveva sempre rifiutato, però, in quanto detestava i riti della sovraesposizione mediatica, gli autografi sui libri, la mondanità presenzialista, gli incontri con le autorità. Aveva invece accettato, dopo cinque anni dal premio, la proposta di tornare a Salas, la piccola città argentina che gli aveva dato i natali e che ora intendeva festeggiarlo. Anche se di lì se n’era andato da quarant’anni, in fondo quella lontana località aveva ispirato i suoi racconti e, forse, ora gli avrebbe fatto ritrovare l’antica voglia di scrivere e raccontare.
Erano stati pochi giorni da dimenticare, invece, vissuti in un clima da incubo vieppiù angoscioso, durante i quali aveva chiarito prima di tutto a se stesso che non la realtà di quei luoghi, ma l’elaborazione mitica del suo ricordo lontano, che ne aveva trasformato paesaggio, case, e abitanti, era stata all’origine della sua narrazione e della sua arte. Ora, quella realtà gli appariva in tutta la sua brutalità violenta e gretta: le antiche baruffe da ragazzo esigevano risposte; le vecchie rivalità amorose erano conti da regolare; il suo successo era sfruttabile per gli scopi più diversi; il suo distacco rispetto ai problemi locali era vissuto come un vero tradimento.

I registi ci raccontano queste cose e molte altre alternando l’ironia e l’umorismo tagliente e spietato della descrizione di Salas, con la tensione crescente di alcune drammatiche scene, verso la fine, quando il film è ormai un noir teso poiché Daniel rischia di diventare la  vittima dell’invidia, dell’ignoranza diffusa e delle contraddizioni di un piccolo paese e dei suoi meschini abitanti. Molto bella la riflessione finale, che compendia lo spirito del film, che è anche un piccolo racconto filosofico sull’arte, sui rapporti dell’arte con la verità, e sulla necessità per l’artista di far prevalere l’interpretazione sulla rappresentazione, negando ogni consistenza alla cosiddetta realtà. Oscar Martinez ha più che meritato la Coppa Volpi che quest’anno a Venezia gli è stata assegnata come miglior attore. Film bello e originale, molto sorprendente e consigliabile.

45 ANNI

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La mia recensione del film:
45 ANNI

per la regia di
Andrew Haigh

si trova QUI:
https://www.filmtv.it/film/74136/45-anni/recensioni/841600/#rfr:film-74136

CAST:
Charlotte Rampling, Tom Courtenay, Geraldine James, Dolly Wells, David Sibley – 95 min. – Gran Bretagna 2015.

 

Per amor vostro

Schermata 2015-09-19 alle 22.06.54recensione del film :
PER AMOR VOSTRO

Regia:
Giuseppe M. Gaudino

Principali interpreti:
Valeria Golino, Massimiliano Gallo, Adriano Giannini, Elisabetta Mirra, Edoardo Crò, Salvatore Cantalupo – durata 110 min. – Italia 2015

Presentato a Venezia ’72, questo film è valso a Valeria Golino la coppa Volpi per la migliore interpretazione femminile, l’ambito premio che per la seconda volta le viene tributato (nel 1986 le era stato assegnato per Storia d’amore di Citto Maselli). Qui la Golino interpreta Anna, la donna napoletana, vissuta fin da piccola ai margini della legalità, commettendo piccoli furti, scontati con quattro anni di riformatorio. Le suore che l’avevano accolta avevano cercato di indirizzarla a un mestiere pulito che le consentisse di vivere onestamente. Non sempre, purtroppo, questo le era stato possibile nella sua città, dove miseria e ignoranza, diffuse quasi ovunque, incoraggiano l’arte di arrangiarsi per sopravvivere e dove il disprezzo dello stato e delle istituzioni spesso è l’alibi che giustifica la tolleranza dei comportamenti illegali. Anche se si adopera con molto altruismo, infatti, per aiutare in ogni modo tutti quelli che hanno bisogno di lei, Anna vive una realtà durissima fra le pareti di casa, con il peso di un marito, spietato usuraio, autoritario e violento, e di tre figli (di cui uno sordo), fin da piccoli abituati alla quotidianità delle risse e degli alterchi familiari. Per amor loro Anna aveva subito e sopportato ogni angheria, ma ora un lavoro ottenuto quasi miracolosamente, come suggeritrice per una soap opera televisiva, sembra permetterle di portare a casa, insieme a un discreto stipendio, anche un po’ di dignità, utile per reagire ai soprusi, con scarsissima convinzione, però, perché le troppe umiliazioni ne hanno fiaccato irrimediabilmente l’autostima. La vicenda è scarna e procede alternando la rappresentazione della vita opaca e grigia della quotidianità della donna (grigi e opachi sono anche i colori del film), in cui neppure una nuova speranza d’amore riuscirà a modificare la realtà, con la narrazione colorata dei sogni o piuttosto degli incubi che ne agitano il riposo: i tunnel lunghissimi e bui, i presagi sinistri, gli orizzonti che si chiudono su quel mare troppo azzurro, simbolo dell’unica liberazione possibile, l’annullamento di sé e la sua successiva beatificazione. Il regista mescola abilmente, nelle rappresentazioni oniriche, pellicola e cartoon, cosicché l’animazione si introduce con semplicità nel racconto, rendendo interessante e insolita una storia dolorosa che potrebbe diversamente sembrare troppo vista e risaputa. Va da sé che l’interpretazione della Golino conferisca un notevole valore aggiunto a tutta l’opera, ma in ogni caso, l’ultima fatica di Giuseppe Gaudino, regista e disegnatore di qualità, poco noto in questo nostro paese distratto, merita sicuramente una visione attenta. Degne di rilievo le musiche, arrangiamenti assai raffinati di pezzi famosi, anche di musica classica, fra cui un’elaborazione elettronica di Lascia ch’io pianga di Handel, che, accompagnando Anna affacciata al balcone, mi è parsa una straordinaria citazione da  Von Trier (Antichrist), e prepara,infatti, la tragedia che sta per compiersi.