S is for Stanley


Schermata 2016-06-03 alle 09.04.33

recensione del film /documentario:
S IS FOR STANLEY

Regia:
Alex Infascelli

Principali interpreti:
Alex Infascelli, Emilio D’Alessandro, Janette Woolmore – 78 min. – Italia 2015.

 

 

Che sia un film o un documentario o un oggetto alieno in attesa di essere identificato, per incollargli l’etichetta adatta a definirne il genere, quest’opera alla quale Alex Infascelli si è dedicato per tre anni è bella e interessante. E’, per prima cosa, il ritratto di un uomo, Emilio D’Alessandro che ha avuto un ruolo importante nella vita di uno dei massimi registi della storia del cinema, che tutti abbiamo amato e continuiamo ad amare: Stanley Kubrick, ovvero S che, come dice il titolo, sta per Stanley (is for Stanley). Così infatti Kubrick firmava i bigliettini che lasciava nei locali della sua casa affinché Emilio D’Alessandro li leggesse, ne prendesse nota e si attivasse di conseguenza. Emilio, londinese di genitori italiani, era il suo autista-meccanico-segretario-uomo di fiducia e talvolta anche la sua memoria, ma soprattutto era un amico speciale e vero.
Si erano conosciuti in modo strano: appassionato di auto e motori, Emilio sognava un futuro in Formula Uno, ma, avendo moglie e figli, non poteva permettersi di attendere la gloria e, dopo qualche gara, si era accontentato di fare il taxista, prestandosi anche a effettuare trasporti particolarmente difficili o delicati.
Kubrick aveva bisogno di trasportare l’enorme fallo di ceramica di Arancia Meccanica, ma l’ingombro, il gran peso, la relativa fragilità, nonché la difficoltà di percorrere le strade della metropoli piene di neve e scivolose, rendevano l’impresa ardua. Emilio accettò di buon grado ottenendo però di coprire almeno un poco, per ragioni di…decenza, l’imbarazzante oggetto. Fu l’inizio di una conoscenza che col tempo sarebbe diventata amicizia e familiarità profonda. Il regista, che era quel genio che conosciamo, era quasi del tutto sprovvisto di senso pratico: nessuno come lui era in grado di intuire l’utilità di un oggetto, di una location, di un edificio, magari in stato di abbandono, per realizzare un progetto, ma nessuno come lui necessitava, oltre che di uno staff che conducesse trattative e stipulasse contratti, anche di un factotum che con la sua intelligenza comprendesse subito come adattare, con le dovute modifiche o riparazioni, ciò che sarebbe servito alle esigenze delle riprese, a chi affidare certi compiti, come intervenire anche sul set in caso di problemi tecnici imprevisti. Erano passate fra le mani di Emilio le armi di Barry Lyndon, ma anche l’ordine per le  migliaia di candele che ne avrebbero illuminato gli interni; le trasformazioni per i locali di Shining, ma anche quelle di un’intera fabbrica dismessa e acquistata per Full Metal Jacket.
S aveva trovato con Emilio il collaboratore ideale, su cui poter contare in qualsiasi momento del giorno e persino della notte poiché una linea telefonica privata con l’abitazione di lui gli permetteva anche questa “invasione” della sua pace familiare. Un po’ troppo forse anche per un uomo così affezionato e paziente, per non parlare di quella povera moglie che pur essendosi abituata ad affrontare da sola quasi tutti i problemi della casa e dei figli, continuava a sperare che sarebbe arrivato il momento, con l’età della pensione, di godersi, finalmente, la compagnia del marito, andando a vivere a Cassino, dove una vecchia casa di campagna dei nonni li attendeva. Era stato difficilissimo lasciare S, ma era giusto così…o no? Dopo un rapporto così faticoso, ma anche interessante e ricco, non era facile adattarsi alla vita sonnolenta del paese, soprattutto dopo che S si era rifatto vivo: aveva ancora bisogno di lui, ora che stava realizzando il vecchio progetto, a lungo accarezzato, di girare il film dal bellissimo romanzo breve di Schnitzler Doppio sogno. Stava nascendo Eyes Wide Shut, l’ultimo dei suoi film!


Infascelli racconta, ma soprattutto ascolta e ci fa ascoltare le rivelazioni strabilianti di quest’uomo umile e mite, che di S conosceva ogni aspetto, dalla vita familiare ai rapporti con gli animali, ai problemi di salute, ai farmaci che gli servivano, ma al quale non aveva chiesto mai nulla, accontentandosi di portar via, su suo invito, qualcosa che gli servisse per la casa di Cassino: i tappeti dell’Hotel di Shining, che infatti lì fanno ancora bella mostra di sé! Fu ripagato dall’affetto profondo e sincero di quel genio, che morì, si può dire, fra le sue braccia, dopo avergli persino dedicato un omaggio riconoscente nell’ultimo film.
Magnifica ed emozionante ricostruzione che ogni amante del cinema di Kubrick dovrebbe vedere, magari con qualche sacrificio: la distribuzione non è stata facile, as usual!
Chi riuscirà a vederlo, però, potrà anche divertirsi: un’ironia commossa (irresistibili le osservazioni di Emilio sugli attori, specialmente quelle su Jack Nicholson) permea ogni scena e salva dall’agiografia retorica il genio e il piccolo uomo a lui devoto.

Io sono Ingrid


Schermata 2015-10-20 alle 23.31.17recensione del film:
IO SONO INGRID

Titolo originale:
Jag är Ingrid

Regia:
Stig Björkman

Documentario con la partecipazione di
Jeanine Basinger, Pia Lindström, Fiorella Mariani, Isabella Rossellini, Isotta Rossellini, Roberto Rossellini, Liv Ullmann, Alicia Vikander, Sigourney Weaver – 114 min. – Svezia 2015.

Presentato come Evento che sarebbe rimasto per soli due giorni nelle nostre sale, come del resto dice la locandina, questo bellissimo documentario su Ingrid Bergman non ha probabilmente avuto l’accoglienza che avrebbe meritato. Per quanto mi riguarda ho vissuto due fatti sorprendenti, correlati fra loro, credo: un alto costo del biglietto (era un Evento!) e una sala semivuota. Oggi vedo che l’ Evento è ancora presente nella mia città (ne sono lieta, sia chiaro!), a prezzo normale, per un solo spettacolo al giorno: inevitabile e non piacevole la sensazione di una bella turlupinatura! In ogni caso, spero che la permanenza oltre i limiti previsti faccia bene alla conoscenza di questa pellicola e dell’eccezionale attrice di cui è ricostruita la vita privata e professionale, divisa fra la passione per la recitazione, coltivata fin da adolescente, e l’amore grandissimo per i figli, poco seguiti, ma sempre in cima a ogni suo pensiero e continuamente oggetto di ansie e di sensi di colpa.
Il regista Stig Björkman ha avuto  l’opportunità davvero fortunata di disporre dell’imponente quantità di diari, appunti, lettere, fotografie e filmati (con cinepresa amatoriale), conservati dagli amici e dai figli, attraverso i quali Ingrid Bergman aveva documentato minutamente i fatti della propria vita, dalla perdita, non ancora adolescente, della madre, a quella del padre, quando ancora era strettissima la propria dipendenza da lui (la giovinetta aveva solo 12 anni), alla scuola, ai primi studi teatrali, ai grandi film che la fecero conoscere al mondo intero negli anni Trenta del secolo scorso, alle vicende d’amore per tre volte seguite dal matrimonio e per tre volte concluse col divorzio.

Il regista, selezionando accuratamente  tutto il preziosissimo materiale, lo ha ricomposto cronologicamente, alternandolo con spezzoni dei film più celebri di lei, e con le interviste ai figli di primo e di secondo letto: Pia Lindström e Isotta, Isabella e Roberto Rossellini.
In tal modo egli ci ha offerto, prima di tutto, il ritratto molto vivo e plausibile di un’attrice dominata dalla passione esclusiva e perfezionista per il proprio lavoro nel teatro e nel cinema, del quale seguiva con grande interesse culturale l’evolversi verso forme nuove e diverse, che avrebbero potuto consentirle quella versatilità interpretativa  a cui tendeva, per evitare la fissità dei ruoli e dei personaggi. Con questo film egli, inoltre, ci racconta una madre soave e dolcissima con i figli (che la sentivano comunque molto vicino nonostante i lunghi periodi di lontananza), nonché una donna inquieta e appassionata nella vita sentimentale. Non si limita a questo, però: il documentario è anche la rappresentazione di un’epoca storica, immediatamente dopo la seconda guerra mondiale, e di un’umanità oscurantista e illiberale, dominata da un moralismo ipocrita, sia nell’Italia povera e retriva della fine degli anni ’40, sia altrove in Europa e soprattutto negli Stati Uniti. I giudizi spietati e le condanne moralistiche avevano coinvolto la storia d’amore dell’attrice con Rossellini, tanto che, additata come adultera esecrabile, le fu addirittura impedito di presentarsi personalmente alla cerimonia per il suo primo Oscar (1956), che infatti fu ritirato in sua vece da Gary Grant: un referendum fra il pubblico che avrebbe seguito, direttamente o in TV, la premiazione, ne aveva decretato l’ostracismo!

Una visione più che consigliabile.

 

Teneramente folle


Schermata 2015-06-28 alle 23.57.50recensione del film:
TENERAMENTE FOLLE

Titolo originale:
Infinitely Polar Bear

Regia:
Maya Forbes

Principali interpreti:
Mark Ruffalo, Zoe Saldana, Imogene Wolodarsky, Ashley Aufderheide, Beth Dixon – 88 min. – USA 2014.

Anche quest’anno, con l’arrivo dell’estate, cominciano a scarseggiare le pellicole di qualità; non è impossibile, tuttavia, imbattersi, nelle sale quasi deserte, in qualche discreto film di nicchia. Come questo.

La regista di Teneramente folle, ovvero Infinitely Polar Bear, racconta sotto forma di fiction la propria infanzia accanto al padre, che nel film si chiama Cameron Stuart (Mark Ruffalo ne è interprete bravissimo), affetto da sindrome maniaco-depressiva, quella malattia mentale che oggi è chiamata “disturbo bipolare”. Fra i momenti di euforia, alternati a quelli di depressione del padre malato, si svolge dunque l’infanzia delle due piccole, Amelia e Faith (interpretate molto bene rispettivamente da Imogene Wolodarsky e Ashley Aufderheide), che insieme alla bellissima mamma nera, Maggie (una tenera e sensibile Zoe Saldana), ebbero la ventura di vivere con quell’uomo, amandolo profondamente, tanto da non fargli mai mancare il loro affettuoso sostegno, nonostante la loro esistenza fosse quasi quotidianamente sottoposta a prove durissime. L’amore fra Maggie e Cameron era nato sulle barricate del ’68, dieci anni prima della storia che ci viene raccontata e che si svolge a Boston, quando ormai le due piccole andavano a scuola. Maggie avrebbe voluto impedire che il precipitare delle condizioni economiche della famiglia (Cameron aveva perso il lavoro e la sua facoltosa parentela lo aveva emarginato) travolgesse anche gli studi delle bambine, per garantire i quali era pronta al più duro dei sacrifici: trasferirsi a NewYork per ottenere rapidamente un Master alla Columbia University e impiegarsi adeguatamente. Si trattava di una scommessa assai azzardata, poiché implicava il temporaneo abbandono del marito, la cui salute mentale era lasciata nelle mani delle bambine che avrebbero dovuto vigilare sull’assunzione regolare dei farmaci indispensabili a mantenere la malattia sotto controllo. Nonostante gli inevitabili problemi e le difficoltà intuibili, le due piccole ce l’avrebbero fatta, imparando anche a rispettare le bizzarrie e ad accettare gli aspetti divertenti di quel papà di cui non era davvero il caso di vergognarsi con i compagni di scuola, visto che si trattava di un uomo simpatico, fantasioso, ottimo cuoco, grande organizzatore di passeggiate e di giochi. Il film ha il grande pregio di un’ottima sceneggiatura, che attentamente ci aiuta a penetrare nella complessa dinamica del difficile rapporto tra il padre e le due bambine; si avvale, inoltre dell’ umanissima recitazione di tutti gli attori e della sensibilità espressiva delle bimbe, chiamate a un compito niente affatto semplice. Non un capolavoro, dunque, ma una bella commedia drammatica, che francamente mi sento di consigliare.

Un’interessante intervista con la regista Maya Forbes si può leggere QUI

Turner


Schermata 2015-02-06 alle 21.49.46recensione del film:
TURNER

Titolo originale:
Mr. Turner

Regia:
Mike Leigh

Principali interpreti:
Timothy Spall, Dorothy Atkinson, Marion Bailey, Paul Jesson, Lesley Manville – 149 min. – Gran Bretagna 2014.

William Turner (1775-1851), il più innovativo fra i pittori inglesi del primo Ottocento, viene raccontato in tutta la sua complessità in questo straordinario film biografico del grande Mike Leigh (Belle speranze, Another Year), che ricostruisce con grande rigore storico l’epoca in cui si sviluppano le vicende della sua vita, distribuendo lungo tutto il racconto, non solo perciò nei paesaggi e negli ambienti nei quali il pittore aveva concepito ed elaborato le sue opere, le magnifiche immagini della fotografia di Dick Pope che ha saputo coglierne impareggiabilmente i colori, le luci e le atmosfere. L’ultima fatica di Leigh si è protratta nel tempo, inevitabilmente, poiché il personaggio di cui ricostruisce la storia  è un uomo complesso, sulle cui contraddizioni e sulla cui autenticità (Mister Turner è, infatti, il titolo originale) si incentra molta parte del film. Egli era rude e brutale, di aspetto sgraziato e sgradevole; si esprimeva per lo più a grugniti; si comportava come un animale, soprattutto con le donne. D’altra parte lo splendore luminoso della sua pittura paesaggistica, la pietosa rappresentazione, sulla tela, dei naufraghi trasportati in catene dal continente africano da negrieri senza scrupoli, l’attenzione commossa alla musica con coloriture sentimentali, l’amore per il padre ci parlano di un uomo diverso, sensibile e intelligente, la cui presenza nel film avvertiamo attraverso almeno due scene emblematiche, che, secondo me, hanno quasi la funzione di cerniera utile a stabilire la continuità senza soluzione del suo essere duplice, dionisiaco, e, insieme, paradossalmente, apollineo. La prima ce lo descrive quando, tornato alla casa del padre dopo uno dei suoi molti viaggi continentali in cerca di ispirazione e di conoscenza, comincia a riportare sulla tela le sue impressioni di viaggio. Colpisce che egli lavori impastando le sue terre colorate, le biacche e gli oli con le mani che a poco a poco diventano tavolozza e pennello. Sul palmo di quelle mani egli valuta, infatti, la intensità dei colori che stenderà sulla tela, così come con le dita di quelle stesse mani  egli trasformerà gli effetti uniformi delle campiture più vaste, creando  profondità, sfumature, giochi delle ombre e di luci. Si tratta di un momento del film stupefacente per la sua significanza: l’uomo non teme lo sporco, la terra, la manualità della pittura; sembra, anzi, che se ne compiaccia, quasi che solo entrando nella confidenza più intima e carnale con gli elementi materiali del dipingere gli sia possibile ottenere quei sublimi effetti luminosi che gli permetteranno, nelle ultime opere, di attingere a una particolare forma di spiritualità, dematerializzando e disperdendo nella luce le ultime tracce di rappresentazione “naturalistica”. La seconda scena (che il regista gira accreditando una leggenda a lungo circolata, ma non documentata, sul conto dell’artista) descrive Turner che si fa legare saldamente all’albero di una nave durante una spaventosa tempesta, allo scopo di non farsene  travolgere, abbandonandosi, però, alla terribile potenza delle forze naturali, per diventare egli stesso elemento in sintonia con quella natura selvaggia e primigenia. La memoria corre a Ulisse, che nello stesso modo si era difeso dal canto malioso e distruttivo  delle Sirene, non rinunciando, tuttavia, a conoscerlo: l’arte avrebbe ricomposto in una superiore sintesi, sensazioni ignote e dolorose sofferenze.

Emerge dunque dal film il potente ritratto di un artista che, nonostante l’evidente e imbarazzata rozzezza nei rapporti d’amore*, aveva saputo infondere nelle proprie opere il fuoco profondo di un animo innamorato dell’arte e della bellezza, talvolta insospettabilmente delicato (nella pietà per la prostituta giovanissima, il cui corpo non vorrà violare o per la giovane annegata approdata sulla riva del mare), talvolta fiero nel dignitoso silenzio che quasi sempre oppone all’invidia ipocrita dei più noti pittori del tempo, da Constable a Hydon, così come all’attenzione ammirata, ma supponente, del giovane Ruskin, il futuro grande critico. Egli, inoltre, ignorando i complimenti e i consigli interessati, difende la propria opera preservandone l’integrità complessiva, evitandone la dispersione nelle mani dei mercanti d’arte e disponendone, invece, la donazione allo stato inglese, in modo che, nello spazio pubblico di un museo, tutti i cittadini possano ammirarla e goderla.
Lo splendore straordinario delle immagini, la verità della narrazione, condotta con scrupolo filologico e la superba recitazione di tutti gli attori, del protagonista Timothy Spall, in primo luogo (gli è valsa la Palma d’oro a Cannes), ripagano largamente della inevitabilmente lunga durata della pellicola.

* il film ci parla dell’indifferenza astiosa per Sarah Danby, madre delle due figlie, mai amate; della brutalità degli assalti “usa e getta” alla fedele domestica e anche della tiepida relazione tardiva con la gentile e generosa vedova Booth, con la quale egli avrebbe condiviso, senza troppa continuità, gli ultimi anni della vita.

Due biografie: 1)The imitation Game; 2) La teoria del tutto


Pochi i buoni film, in questo momento: se si eccettuano i grandi film del passato, restaurati e riproposti, le novità più interessanti non si vedono, non perché manchino (che fine hanno fatto, per esempio, il Leone d’oro e gli altri premiati di Venezia?), ma più probabilmente per il desiderio della distribuzione  di incrementare gli incassi delle pellicole più commerciali del periodo natalizio. Siamo perciò tutti costretti ad accontentarci di ciò che passa il mercato, che non è di grande qualità. Speriamo in meglio. Offro ai lettori due recensioni nello stesso post: al centro di entrambi i film (in verità alquanto modesti) sono due scienziati, assai importanti di cui vengono raccontate le sorprendenti biografie.

Schermata 2015-01-20 alle 23.56.13THE IMITATION GAME

Regia:
Morten Tyldum

Principali interpreti:
Benedict Cumberbatch, Keira Knightley, Matthew Goode, Mark Strong, Rory Kinnear – 113 min. – Gran Bretagna, USA 2014.

Alan Turing (1912  1954) fu un celebre matematico londinese, logico ed enigmista, la cui vita il regista norvegese Morten Tyldum ricostruisce a partire dal momento più drammatico per la storia britannica, durante la seconda guerra mondiale, quando egli fu assunto dal controspionaggio del suo paese. Gli era stato affidato l’ arduo compito di indirizzare e coordinare il lavoro del gruppo di matematici di Bletchley Park, impegnati a decifrare i dispacci nazisti, penetrando nei codici criptati della macchina Enigma, modificati dopo che il controspionaggio polacco era riuscito a carpirne parzialmente i segreti. Gli studi e le intuizioni di Alan Turing, che per raggiungere lo scopo aveva concepito e fatto costruire una “macchina” antesignana dei computer, permisero la realizzazione di Colossus, il calcolatore mastodontico decisivo per decifrare i piani della Germania hitleriana e vincere la guerra. L’interesse del film non è però tanto nel racconto di questa vicenda molto nota e più volte raccontata anche dal cinema, quanto nella evocazione della difficoltà fra le quali Alan Turing fu costretto a vivere, dissimulando la propria omosessualità, considerata reato da sempre e persino negli anni ’50 del Novecento nel “civile” Regno Unito. Ingrata e incurante dei suoi meriti, la sua patria, infatti, lo processò, dopo averlo arrestato, costringendolo a scegliere (si fa per dire!) fra un certo numero di anni di galera e la castrazione chimica, insopportabile tortura farmacologica che, dopo un anno, lo avrebbe indotto al suicidio. Il film, che sviluppa l’argomento intersecando con numerosi flashback i piani temporali degli anni della guerra e di quelli successivi, è nell’insieme assai  piatto e tradizionale, anche se si avvale di buoni attori, soprattutto di Benedict Cumberbatch, che, nel difficile ruolo di Alan, uomo introverso e timido, dal comportamento impacciato, convince pienamente.

Schermata 2015-01-20 alle 23.57.14LA TEORIA DEL TUTTO
Titolo originale:
The Theory of Everything

Regia:
James Marsh.

Principali interpreti:
Eddie Redmayne, Felicity Jones, Charlie Cox, Emily Watson, Simon McBurney – 123 min. – Gran Bretagna 2014.

Non domandarci la formula che mondi possa aprirti, è un famosissimo verso di Eugenio Montale, che nega, in uno dei più celebri Ossi di seppia (Non chiederci la parola…) che il poeta possa spiegare la complessità del nostro animo e del nostro comportamento con esaustiva brevità o che sia in grado di rispondere alle domande di senso che da sempre l’uomo si pone. Si direbbe, però, che questi versi, che mi sono tornati alla memoria durante la visione del film, si attaglino solo ai misteriosi meandri della intuizione poetica, perché la formula che mondi possa aprirti  (la teoria che spiega il tutto) sembra invece plausibile dopo gli studi di uno dei più celebri scienziati dei nostri giorni, il fisico Stephen Hawking, nato a Oxford nel 1942. Dotato di eccezionali doti di intuito e di intelligenza il giovanissimo Stephen aveva elaborato  a Cambridge, fra il 1965 e il 1970, la spiegazione circa l’origine e l’evoluzione continua dell’universo, secondo un movimento di espansione che avrebbe avuto inizio col “big bang”, l’esplosione dalla quale scaturirono lo spazio e il tempo, strettamente correlati, in cui si colloca l’uomo insieme a ogni forma di esistenza (spero di avere ben compreso; chiedo scusa della banalizzazione agli amici fisici che mi leggeranno inorriditi). Il racconto degli studi a Cambridge del giovane astrofisico si alterna a quello della sua salute, estremamente fragile fin dall’adolescenza. Nel 1963, dopo accurati esami, gli fu diagnosticata, infatti, una malattia neurologica degenerativa, destinata a  procurargli una gravissima paralisi progressiva e la morte nel giro di due anni. La prognosi era evidentemente sbagliata, visto che Hawking è ancora vivo, ma la diagnosi si rivelò attendibile, poiché la paralisi procedeva inesorabilmente. Egli, tuttavia, riuscì a portare avanti i propri studi grazie all’aiuto di Jane, la giovane innamorata di lui, che come lui studiava a Cambridge (letteratura francese e spagnola) e che aveva rinunciato a sé e al proprio futuro per sposarlo, assicurandogli le cure e l’assistenza necessaria affinché continuasse a lavorare alle sue importanti scoperte e a scriverne. Il film, ovviamente, sviluppa i due temi, quello della ricerca scientifica e quello della salute del ricercatore in modo vistosamente asimmetrico, privilegiando il secondo rispetto al primo, non solo perché è più facile il racconto di un malato che, pur deformato nel corpo e minacciato continuamente di morte, mantiene lucidissima la propria mente, ma soprattutto perché la storia dell’amore fra Stephen e Jane, allietata dalla nascita di tre figli, è più commovente di quella dell’evolversi di un pensiero scientifico capace di spiegare ogni cosa. Ne deriva un’opera alquanto lacrimosa, di quelle che poco apprezzo. L’attore Eddie Redmayne è molto bravo, forse anche troppo.

quello che il film dice e quello che non dice (Il giovane favoloso)


Schermata 10-2456962 alle 16.08.30recensione del film:
IL GIOVANE FAVOLOSO

Regia
Mario Martone

Principali interpreti:

Elio Germano, Michele Riondino, Massimo Popolizio, Anna Mouglalis, Valerio Binasco, Paolo Graziosi, Iaia Forte, Sandro Lombardi, Raffaella Giordano, Edoardo Natoli, Giovanni Ludeno, Federica de Cola, Giorgia Salari, Isabella Ragonese Biografico, durata 137 min. – Italia 2014

Premetto che non avrei voluto recensire questo film, che ho visto da tempo, perché, essendo fortemente in dissenso dai suoi contenuti, mi sembrava di essere l’unica voce fuori dal coro degli osanna e degli evviva. Non avevo alcuna voglia di polemizzare, sembrandomi  anche ingiusto, viste le difficoltà oggettive che non possono mancare quando si  gira un film su Leopardi e visto l’impegno profuso da tutti coloro che vi si erano dedicati, da Martone, agli attori, fino all’ultimo addetto. Siccome, però, qualcuno mi ha chiesto di esprimermi in merito a questo lavoro, ci provo.

Il film, prevalentemente biografico, racconta la storia del poeta sviluppandola intorno ai tre periodi, che il regista considera i più importanti della sua formazione: quello recanatese, dalla nascita alla tentata fuga dal “natio borgo selvaggio”; quello fiorentino, degli incontri con gli intellettuali liberali del Gabinetto Vieusseux, cui fu introdotto dall’amico Pietro Giordani e, infine, quello napoletano, l’ultimo periodo della sua vita, vissuto con l’amico Antonio Ranieri. La scelta del regista è, per quanto vistosamente omissiva, del tutto legittima e non sarebbe priva di una sua plausibilità se, al suo interno, egli presentasse oltre al percorso psicologico che approda al ribellismo insofferente nei confronti della famiglia, di Recanati e degli intellettuali del suo tempo, anche il percorso culturale attraverso il quale  il “giovane favoloso” venne elaborando la sua weltanschauung, quella filosofia “dolorosa ma vera”, che ne costituì l’originalità, scandalosa e inaccettabile, in un mondo che andava vagheggiando o progetti politici reazionari (come il padre Monaldo) o cambiamenti “rivoluzionari” in vista di imprecisate “magnifiche sorti e progressive” (come il gruppo fiorentino dell’Antologia)

Martone, dunque, oltre a  sorvolare su altri viaggi, tutt’altro che irrilevanti nella formazione del poeta, non ci mette nelle condizioni di conoscere quali letture, quali libri proibiti della biblioteca di casa Leopardi gli avevano fornito l’impulso per portare a livello teorico e filosofico la propria privata conoscenza del dolore, che invece continua a raccontarci nei minimi particolari, né accenna al confronto che il giovane andava maturando fra gli  scritti degli antichi filosofi greci ed ellenistici e quelli di alcune correnti illuministiche, in particolare del sensismo di Condillac, del materialismo ateo di Paul Henri Thiry d’Holbach, e neppure del razionalismo di Voltaire, autori decisivi per la composizione di molti canti e di molte pagine in prosa,  che ci danno la misura della portata davvero rivoluzionaria del suo pensiero, magari poco in sintonia con le povere elaborazioni degli intellettuali italiani dell’epoca, ma certo aperto alle grandi intuizioni del cosiddetto “pensiero negativo” da Shopenauer a Nietzsche. Queste omissioni diventano anche un po’ sospette, a fronte delle facili allusioni (solo attraverso le immagini, per fortuna) ai canti più conosciuti: l’artigiano che apre la sua officina; la tessitrice (un po’ troppo in carne) che abita davanti a casa sua e che morirà giovane, consunta dalla tisi, la vecchietta che parla verso sera con le vicine, il mazzolino di viole, la gallinella che ripete probabilmente il suo verso, per non dire di quella siepe che dovendo celare gli estremi orizzonti è circondata da un po’ di nebbiolina, e neanche di qualche luna che illumina la notte, insieme alla notturna lampa.

Una ripassatina, dunque, dei versi che più facilmente si tengono a mente, oltre al bellissimo finale di Aspasia, alla bella lettura di qualche verso della Ginestra  e persino di Consalvo, accuratamente evitando di rammentare, però,  che “è funesto a chi nasce il dì natale”, cioè (per chi non ricordasse che Funus in latino significa morte), che il solo fatto di nascere ci porterà, fatalmente, alla morte, verso sconvolgente, frutto non del pessimismo, parola vuota davvero, ma del coraggioso realismo di chi è capace di guardare le cose come stanno senza cercare di mistificarle in alcun modo.

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Romano Luperini, uno dei maggiori esponenti della contemporanea critica letteraria in Italia, ha dedicato a questo film e ai suoi limiti un articolo, che ritengo uno dei più interessanti e pertinenti fra quanti sono sul Web.

P.S. Romano Luperini è ancora intervenuto precisando ulteriormente il senso del suo scritto sul rapporto fra voce (poesia) e persona (biografia), con un bellissimo excursus, che rapidamente prende in esame alcune riflessioni di scrittori e studiosi contemporanei

 

le ultime ore (Pasolini)


Schermata 09-2456929 alle 18.06.28recensione del film:

PASOLINI

Regia:
Abel Ferrara

Principali interpreti:

Willem Dafoe, Ninetto Davoli, Riccardo Scamarcio, Valerio Mastandrea, Adriana Asti, Maria de Medeiros, Roberto Zibetti, Andrea Bosca, Giada Colagrande, Francesco Siciliano, Luca Lionello, Salvatore Ruocco, Fabrizio Gifuni, Chiara Caselli – 86 min. Belgio, Italia, Francia 2014.

Abel Ferrara tenta di ricostruire i fatti che hanno preceduto il drammatico epilogo della vita di Pasolini, non per arrivare a una verità diversa da quella del processo contro il suo assassino, ma per ricordare, piuttosto, attraverso la rievocazione di quelle ultime ore, chi era l’intellettuale che fu barbaramente massacrato a Ostia nell’orribile notte del 2 novembre 1975. Ne emerge un ritratto incompleto, ma abbastanza interessante, soprattutto per il modo del racconto, sorta di collage di eventi reali, ricordi, progetti per il futuro, quali avrebbero potuto affacciarsi, verosimilmente, alla mente dello scrittore (così Pasolini voleva essere definito), attraverso un ininterrotto flusso di coscienza. Si alternano, perciò, le immagini della quotidianità, ricostruita con cura rispettosa (il ritorno dalla Svezia, gli affetti familiari, gli appuntamenti, le interviste, gli amici, il lavoro e le ricerche notturne dei ragazzi di vita) a quelle oniriche, che rimandano alla creazione visionaria delle ultime opere, sia quelle già terminate, come Salò o le 120 giornate di Sodoma, sia quelle rimaste incompiute, ma da tempo iniziate, come il romanzo Petrolio, sia, infine, quelle rimaste allo stato di bozza, come il film Porno-Teo Kolossal, che avrebbe dovuto essere interpretato da Eduardo De Filippo. Di Petrolio, scritto impegnativo e politicamente assai scottante, il regista offre alcune letture, affiancandole alle inquietanti immagini dello sterminato deserto del Senegal e dell’incidente aereo dal quale si era fortunosamente salvato Andrea Fago. Merita un discorso a sé, invece, il tentativo del regista di realizzare un pezzo del film Porno-Teo Kolossal, rimasto allo stato di bozza: Epifanio, che avrebbe dovuto essere interpretato da Eduardo, è invece interpretato da un Ninetto Davoli un po’ troppo tondeggiante e misticheggiante; mentre l’angelo che lo accompagna sulla scala che porta al Paradiso (e che avrebbe dovuto essere Ninetto Davoli) è Riccardo Scamarcio. Siamo nel mondo della finzione, perciò questo curioso scambio sarebbe accettabile se le facce fossero quelle giuste, ciò che non mi è sembrato del tutto vero.

Squarci di attualità, evocazioni del passato, visioni del futuro: va dato atto al regista, di aver incrociato in modo efficace il fluire di questi diversi momenti, ricostruendo con credibilità non solo l’ambiente in cui maturarono le opere di Pasolini, ma anche la figura di lui, almeno dal punto di vista psicologico. Si avverte invece la mancanza di un approfondimento della complessità del suo pensiero: le posizioni culturali e politiche che emergono dal film sono quelle, notissime, dell’ultima intervista, per altro incompleta, a Furio Colombo, e soprattutto della “lectio facilior” che ne è seguita: certo il regista non è necessariamente né un filosofo, né uno studioso, ma forse potrebbe contribuire, anche solo col guizzo di un’intuizione originale, al dibattito ormai imminente sulla figura di questo nostro grande intellettuale (il prossimo anno sarà il quarantesimo dalla sua morte), ciò che non è avvenuto.
Sono molto belle invece le fotografie scure di una Roma notturna lontana dal cliché della città turistica, in cui si aggirava il poeta alla ricerca non solo di avventure erotiche, ma della conferma che il mondo dei ragazzi poveri, sottoproletari di borgata, potesse costituire il vero riferimento alternativo al dilagare dell’omologazione consumistica, grazie al suo vitalismo sano e genuino. Da uno di questi giovani, a cui si era avvicinato con molta fiduciosa ingenuità e con umana simpatia (bellissimo, sotto questo aspetto, il racconto della cena in trattoria), sarebbe arrivata, purtroppo, la delusione più amara, quasi a confermare gli oscuri presentimenti dell’ultima intervista.
Ottima l’interpretazione di Willem Dafoe, somigliantissimo e perfettamente calato nel personaggio; buona quella di Maria de Medeiros, nei panni di Laura Betti; nella norma quella degli altri attori, con una Adriana Asti dallo sguardo un po’ troppo fisso, nei panni della madre.

la nazione arcobaleno (Invictus)


Recensione del film:
INVICTUS – L’INVINCIBILE

Titolo originale:
Invictus

Regia:
Clint Eastwood

Principali interpreti:
Morgan Freeman, Matt Damon, Tony Kgoroge, Patrick Mofokeng, Matt SternJulian Lewis Jones, Adjoa Andoh, Marguerite Wheatley, Leleti Khumalo, Patrick Lyster, Louis Minnaar, Penny Downie, Shakes Myeko, Sibongile Nojila, Bonnie Henna, Grant Roberts, Langley Kirkwood, Robert Hobb – 134 min. – USA 2009

Il film si apre presentando la difficile situazione del Sud Africa dopo la vittoria elettorale di Nelson Mandela: le troppe umiliazioni dei neri, soggetti alla ferocia di una segregazione disumana, non potevano essere cancellate, ma neppure era possibile permettere che le paure dei bianchi (minoritari, ma pur sempre in posizioni di vantaggio economico e “militare”, essendo la polizia e l’esercito schierati con loro) creassero un clima di tensione e di guerra civile, che avrebbe riportato all’indietro l’orologio della storia. Il compito del popolare “Madiba” non poteva che essere quello di costruire la nazione, rendendola Arcobaleno, cioè colorata di tutti i colori della pelle degli uomini e delle donne che ci vivevano. La prima parte del film si incentra perciò sulla riflessione politica di Mandela, che, cosciente della sua solitudine, assume l’enorme responsabilità di realizzare un progetto di pacificazione dei popoli sudafricani, utilizzando i mezzi che di volta in volta si presentano come i più adatti allo scopo. Un’apertura di credito viene offerta, tra mille diffidenze dei suoi seguaci, agli esperti guardiani “Afrikaner”, che avranno cura della sua incolumità. Allo sport del rugby, invece, popolarissimo solo fra i bianchi, Madiba affida la missione quasi impossibile di creare un tifo “trasversale”, che cancelli gli odi, permettendo a tutti di identificarsi nei colori verde e oro della squadra degli Springboks.

La scommessa difficile sarà vinta, grazie anche all’intelligenza del capitano della compagine, François Pienaar, che guiderà i suoi compagni in giro per il Sudafrica, a conquistare la simpatia e il tifo dei giovani neri e che prenderà coscienza dell’ingiustizia della carcerazione del vecchio Presidente, visitando l’angusta prigione che per trent’anni l’aveva rinchiuso, senza riuscire tuttavia a piegarne la fierezza di combattente. Cadono le barriere di diffidenza: la squadra, su cui nessuno avrebbe puntato, si affermerà nel campionato del mondo, mandando in visibilio le folle di bianchi e di neri, grazie a un finale di partita giocato con la testa, col corpo, come si addice a uno sport “da selvaggi”, ma soprattutto col cuore. La seconda parte del film, che è la più spettacolare, ma che mi pare un po’ viziata da retorica apologetica, ci descrive, appunto, il ritrovato orgoglio della squadra, le azioni incalzanti dei giocatori, le emozioni collettive delle folle. Molto interessante è, tuttavia, il film nel suo complesso, in cui è possibile, a tratti, ritrovare la problematicità del vecchio Clint Eastwood, soprattutto nella prima parte, vera riflessione sul potere, sul consenso che continuamente va riconquistato (perché in ogni democrazia continuamente viene messo alla prova), e sul lavoro politico diretto a risolvere problemi di tutti, essendo il governo rappresentante dell’intero paese e non della sola parte, sia pure maggioritaria, che lo ha eletto. Morgan Freeman interpreta magnificamente, da par suo, il vecchio Madiba, ma tutti gli attori sono all’altezza del loro ruolo.